Biographies / Monographies

  • L'exposition Giorgio de Chirico. La peinture métaphysique retrace le parcours et les influences artistiques et philosophiques qui ont nourri l'artiste Giorgio de Chirico de Munich à Turin, puis à Paris où il découvre les avant-gardes picturales de son temps et enfin à Ferrare. De manière inédite, seront mis en lumière les liens du peintre, découvert par Apollinaire puis soutenu par le marchand Paul Guillaume, avec les cercles culturels et littéraires parisiens. Né en Grèce et formé dans le creuset de la culture classique et du romantisme allemand tardif, De Chirico développe les fondements d'une nouvelle conception artistique aux côtés de son frère cadet Alberto Savinio. Elève à l'Académie des Beaux-Arts de Munich à partir de 1908, il découvre la pensée de Nietzsche et Schopenhauer ainsi que les oeuvres de Böcklin et de Klinger. Après un passage à Milan puis Florence, c'est cependant depuis la France, à Paris dès l'automne 1911, qu'il met en place un vocabulaire plastique singulier au contact des révolutions picturales modernistes. Il est très vite remarqué par certaines personnalités artistiques de son temps. Guillaume Apollinaire, Maurice Raynal et André Salmon, mais aussi André Breton, Paul Éluard, Jean Paulhan, sont parmi les premiers à s'intéresser à son oeuvre et à la promouvoir.
    L'exposition trouve ainsi toute sa place au musée de l'Orangerie autour de la figure de Paul Guillaume qui fut le tout premier marchand de Giorgio de Chirico. De retour en Italie en 1915, il est envoyé avec son frère Savinio à Ferrare pour des raisons militaires et y poursuit ses recherches picturales. La période ferraraise (juin 1915-décembre 1918) est l'occasion pour les peintres Carlo Carrà et Giorgio Morandi de fréquenter les deux frères permettant ainsi la formation de ce que l'on qualifiera plus tard d'"école métaphysique" et sur laquelle se clôt l'exposition.

  • Mise en valeur du talent des oeuvres de Gauguin, qui maîtrisait des techniques diverses (peinture, dessin, gravure, sculpture, céramique) et qui en explora les limites

  • Kahlo

    Andréa Kettenmann

    • Taschen
    • 23 February 2009

    Frida Kahlo: tableaux des tourments de son esprit L'artiste mexicaine Frida Kahlo (1907-1954) est l'une des plus grandes figures artistiques du XXe siècle, et l'une des rares artistes latino-américaines de renommée internationale. En 1983, son oeuvre a été déclarée propriété de l'État mexicain.

    Kahlo était l'une des filles d'un photographe allemand immigré et d'une Mexicaine d'origine amérindienne. Plus que chez la plupart des autres artistes, la vie et l'oeuvre de Kahlo sont inextricablement liées l'une à l'autre. Deux événements majeurs de sa vie ont eu une importance capitale. À dix-huit ans, d'abord, elle est victime d'un accident d'autobus: ses multiples fractures du bassin et de la colonne vertébrale, entre autres, la clouent au lit pendant des mois. C'est pendant sa convalescence, alitée, qu'elle commence à peindre. Puis, à 21 ans, elle épouse le peintre mural mexicain mondialement connu, Diego Rivera. Elle sera douloureusement marquée par les séquelles de cet accident toute sa vie, et souffrira surtout de ne pas pouvoir avoir d'enfant.

    Les stupéfiants tableaux de Kahlo, de petits autoportraits pour la plupart, expriment les tourments qui oppressent son esprit: l'insupportable douleur physique, la profonde tristesse que lui causaient les infidélités répétées de son mari, le chagrin de ne pas avoir d'enfant, son mal du pays quand elle vivait à l'étranger et son besoin de se sentir enracinée quelque part ainsi qu'une solitude profonde. Mais ils révèlent aussi son amour passionnel pour son mari, sa grande sensualité et son inébranlable instinct de survie.

  • Ce livre nous dévoile un Dali quotidien. Pour Dali, son propre génie ne fait pas de doute. Il ne le répète pas pour s'en convaincre, mais pour convaincre ses contemporains.
    Dans le Journal d'un génie Dali se contemple, mais va en même temps plus loin et, au-delà de son image, retrouve les ambitions métaphysiques de la peinture.
    Au-delà de cette publicité dont il s'inonde, Dali nous révèle aussi son caractère : celui d'un peintre qui pousse la conscience de son art jusqu'à la minutie exaspérante qui le conduit au bord de la folie.

    Introduction et notes de Michel Déon.

  • Le Centre Pompidou présente une exposition rétrospective consacrée à l'artiste irlandais James Coleman, dont le dessein, depuis le début des années 1960, est de déconstruire le fonctionnement des images en travaillant des pratiques distinctes, celles du tableau, de la photographie et du film. L'exposition rend compte de l'interdisciplinarité exemplaire d'une pratique artistique dont de nombreux artistes contemporains - comme Douglas Gordon ou Tino Sehgal - ont dit combien elle les avait marqués.

  • La vie d'un des plus grands peintres racontée par un des plus grands cinéastes.
    Il est vrai que l'un était le père de l'autre, et que jean renoir est né au " château des brouillards ", sur la butte montartre, à deux pas du moulin de la galette immortalisé par un tableau de pierre-auguste. cette biographie fait revivre avec amour un homme, une oeuvre, un monde. c'est pourquoi elle a connu un succès mondial.

  • « Ce qu'on commence à comprendre, c'est qu'ici tout communique. Les découpages, les romans, les vidéos, les photographies : ce sont toujours des portraits, et ces portraits, qu'ils soient ou non parlants, sont toujours des histoires contenues, du langage ramassé sur lui-même. Et derrière ces portraits, il y a une main qui décortique, ôte la graisse comme on dit, le surplus, l'inessentiel, qui rassemble, taille, coupe au bon moment, fait entendre tout ce qui est passé sous silence à la surface de quelques mots et, à la surface du silence, tout ce qui parle encore ».
    Bertrand Schefer.

    V. M. Tout cela nous ramène au palais des glaces, ce labyrinthe aussi attirant qu'angoissant.

    L. M. Palais des glaces, oui, où les miroitements des fictions minuscules, des récits possibles sont comme des éclats de mica qui projettent des lumières - d'étoiles mortes ? trop lointaines ? Où est-ce que, les relayant, ces éclats réactivent les récits et les remettent au présent, sans se soucier de ce qui est vrai ou faux, luxe ou toc dans ce palais où la transparence des glaces ne s'oppose pas à l'opacité des signes ?

    V. M. Dans le palais des glaces, à cause de l'effet boule disco, on ne sait plus très bien s'il s'agit de reflets, ou de reflets de reflets. J'aime cette idée du toc juxtaposé à de la « vraie » poussière d'étoiles, sans qu'on puisse faire la différence. La beauté des êtres est dans cet alliage entre minerai véritable et pâle imitation.

    Entretien avec Laurent Mauvignier.

  • Klimt

    Gilles Néret

    • Taschen
    • 10 November 2011

    L'art de Gustave Klimt est tout à fait "fin de siècle". Il exprime "l'apocalypse joyeuse" de la grande bourgeoisie viennoise, entièrement vouée au culte du plaisir et du goût esthétique.

    L'extase que Klimt et ses contemporains trouvaient - ou espéraient trouver - dans la beauté était constamment assombrie par la mort, hantise dont on trouve souvent la trace dans l'oeuvre de Klimt. Mais c'est essentiellement sa qualité de grand peintre érotique et d'artiste graphique incomparable de son époque qui ont fondé la renommée de Klimt. Ses dessins surtout, dont le monde entier admire l'immense qualité artistique, sont dominés par la représentation érotique des femmes.

  • Un panorama mondial du street art, pour comprendre les enjeux de cette forme d'art populaire aux influences multiples : le pixaçao brésilien, le pop art et le land art américains, les pochoirs politiques argentins, entre autres. Présentation des travaux de 113 artistes à travers 25 pays.

  • Le 21 octobre 2016 s'ouvrait à la Fondation Louis Vuitton de Paris « Icônes de l'art moderne. la collection Chtchoukine », une exposition destinée à marquer les esprits des visiteurs français et de ceux venus du monde entier pour admirer cet ensemble d'oeuvres unique. À la veille de cette manifestation, le nom de Sergueï Chtchoukine n'évoquait pas grand chose au grand public. Cet incroyable personnage, marchant de tissus et collectionneur éclairé, avait réuni entre la fin du xixe siècle et 1917 un ensemble exceptionnel d'oeuvres des plus grands artistes de l'époque.
    Confisquée par les révolutionnairs, et conservée depuis l'après-guerre au musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, et au Musée Pouchkine à Moscou, la collection a été enfin réunie et présentée au grand public lors de cette exposition unique. Il a fallu toutes les énergies d'Anne Baldassari et de la Fondation Louis Vuitton pour convaincre l'État Russe à prêter ces chefs-d'oeuvre qui font désormais partie du patrimoine de l'humanité.
    Une manifestation qui a attiré plus d'un million de visiteurs et dont le catalogue a été un énorme succès à la Fondation comme en librairie. Cet ouvrage imposant, malgré les nombreuses réimpressions, est aujourd'hui épuisé.
    Pour prolonger ce grand événement, la Fondation Louis Vuitton et les Éditions Gallimard s'associent de nouveau et publient une nouvelle édition de ce catalogue devenu désormais un livre de référence. De plus, un cahier richement illustré d'images en couleurs de l'accrochage de l'exposition, souvenir impérissable de cette manifestation majeure, vient enrichir le contenu et met physiquement en scène la passion pour l'art de Sergueï Chtchoukine.

  • L'abcdaire de picasso

    Collectif

    Informations précises sur la vie, le milieu artistique, le contexte esthétique et historique, l'influence d'un engagement politique et les oeuvres majeures du peintre, qui s'illustra aussi dans la sculpture, la céramique et l'illustration de livres.

  • L'artiste mexicaine Frida Kahlo fascinait ses contemporains par ses tenues et inspire encore aujourd'hui de nombreux couturiers et créateurs de mode. Qu'elle porte les exubérants costumes traditionnels indigènes, qu'elle se travestisse en homme ou qu'elle arbore fièrement son corset orthopédique en guise de bustier, peu de peintres ont, comme elle, mis en scène leur garde-robe.

    Mais, pour cette artiste engagée, les vêtements sont plus qu'un simple atour : ils sont une seconde peau qui mue au fil de sa vie et nous révèlent ses choix identitaires et idéologiques. Dans cet essai graphique original, Rachel Viné-Krupa, auteure d'une thèse et de plusieurs ouvrages sur cette artiste, et Maud Guély, illustratrice et graphiste, vous invitent à parcourir la vie de Frida Kahlo à travers sa garde-robe si particulière.

  • A l'occasion de l'exposition consacrée à la collection de pastels du Petit Palais, le catalogue offre un panorama des principaux courants artistiques de la seconde moitié du XIXe siècle, de l'impressionnisme au symbolisme, dont les fleurons sont représentés par les oeuvres de Berthe Morisot, Auguste Renoir, Paul Gauguin, Odilon Redon.

  • Six ans de voyage sur les cinq continents à la rencontre des femmes du monde entier... Titouan Lamazou a réalisé de magnifiques portraits qui témoignent à la fois des préoccupations communes à l'humanité et de l'infinie diversité dans laquelle celle-ci les exprime... au féminin. De la ministre à la paysanne, de la prostituée à la cinéaste, des femmes d'aujourd'hui aux destinées poignantes ou remarquables : un témoignage artistique inédit et passionnant à transmettre aux générations futures.

  • Toutes les oeuvres créées par David Hockney ont une unique vocation : dire ce que cela signifie d'être dans le monde, de le voir, de s'y déplacer et de l'aimer. Pour ce célèbre peintre contemporain, les images constituent le véhicule idéal pour communiquer de tels sentiments, et il a consacré sa vie entière à l'exploration de moyens d'expression toujours plus convaincants.
    Afin de rendre compte de cette expérimentation constante, le présent ouvrage propose plus de 300 oeuvres sélectionnées par Hockney lui-même qu'accompagnent de nombreuses citations de l'artiste.
    Divisé en quatre chapitres, ce livre analyse l'oeuvre singulière de Hockney en abordant tout d'abord la problématique de la représentation sur une image fixe d'un monde en perpétuel mouvement, puis la nature autobiographique de l'oeuvre et l'importance particulière des portraits de membres de sa famille, d'amis ou d'intimes et, enfin, la quête de l'espace et de la lumière, deux préoccupations qui revêtent une importance majeure pour Hockney.

  • Rockwell

    Karal Ann Marling

    " L'histoire de ma vie est, vraiment, l'histoire de mes images et de la façon dont je les ai faites parce que , d'une façon ou d'une autre, tout ce que j'ai vu ou fait est toujours passé dans mes peintures. " Norman Rockwell

  • Auteur d'ouvrages remarquables comme Le Détail, Pour une histoire rapprochée de la peinture ou On n'y voit rien, l'historien de l'art Daniel Arasse (1944-2003) a rencontré également une grande audience avec la série intitulée « Histoires de peintures » diffusée sur France Culture.
    L'Ambition de Vermeer, texte majeur de l'un des plus brillants historiens d'art de ces trente dernières années, bénéficie ici d'une nouvelle édition, augmentée d'un texte inédit en français. À travers une analyse rapprochée des oeuvres, Daniel Arasse y étudie minutieusement l'art du peintre et sa recherche délibérée du mystère. Cette lecture passionnante, soutenue par la reproduction des tableaux et de leurs détails, met en relief l'originalité du talent de Vermeer et la conscience qu'il avait de son art.
    Son ambition et sa spiritualité.
    Lire : « Un texte novateur sur la peinture de l'intimité. » Muséart : « Arasse propose ainsi avec ce livre non seulement une des meilleures études de l'oeuvre de Vermeer, mais une sorte de traité in situ de la méthode en histoire de l'art. Ceux qui se demandent comment il est possible d'expliquer un tableau et en quoi cela consiste doivent absolument lire et méditer ce livre. » Critique d'art : « Dans cet ouvrage passionnant, Daniel Arasse renouvelle notre perception de Vermeer : il démontre que la poétique propre à sa peinture est inséparable de son ambition picturale. Une ambition qui comme l'envisage l'historien, n'est pas sans relation avec le catholicisme du peintre, avec la foi qu'il avait dans la puissance de l'image peinte qui incorpore une mystérieuse présence. »

  • Cet ouvrage est le catalogue de la grande exposition estivale du musée d'Orsay. Paul Cézanne a peint près de deux cents portraits au cours de sa carrière, dont vingt-six autoportraits et vingt-neuf représentant son épouse, Hortense Fiquet.
    Ce catalogue explore les particularités esthétiques et thématiques de Cézanne dans cet exercice particulier, et notamment la manière dont il instaure un dialogue entre des oeuvres complémentaires et réalise de multiples versions d'un même sujet.
    Une approche chronologique du Cézanne portraitiste permet d'étudier son évolution, en s'attardant sur les variations qui apparaissent dans la continuité de son style et de sa méthode. «Cézanne. Portraits» pose égaIement la question de sa conception de la ressemblance et de l'identité du modèle, ainsi que celle de l'influence qu'ont pu avoir certains d'entre eux dans ses choix et dans le développement de sa pratique.
    Les oeuvres rassemblées dans l'exposition, venues de collections privées et de prestigieux musées du monde entier, vont du remarquable portrait de l'oncle Dominique datant des années 1860, jusqu'aux ultimes représentations de Vallier, le jardinier de Cézanne à Aix-en-Provence, réalisées peu de temps avant la mort de l'artiste en 1906.
    Cézanne est communément considéré comme l'un des artistes du XIXe siècle ayant le plus inspiré les générations suivantes. Face à ses portraits, nous sommes sans doute confrontés à l'aspect le plus personnel, et donc le plus humain, de son oeuvre.


    Ouvrage collectif d'Alex Danchev, John Eledrfield, Annabelle Mathias, Mary G. Morton, Xavier Rey et de Jayne S. Warman.

  • Chef-d'oeuvre de Nicolas Poussin (1594-1665), Le Massacre des Innocents est l'un des trésors du musée Condé à Chantilly. C'est le cri le plus poignant de toute la peinture française, celui d'une mère dont on tue l'enfant sous ses yeux. Trois figures résument le drame, l'intemporalité d'un drame d' une cruelle et quotidienne actualité qui a marqué tant d'artistes jusqu'aux plus contemporains.

    Le catalogue de l'exposition raconte l'histoire du tableau depuis sa création à Rome au XVIIe siècle jusqu'à nos jours, il évoque aussi les origines du sujet souvent représenté par les peintres. Enfin, il montre combien les artistes contemporains, Pablo Picasso, Francis Bacon et bien d'autres aujourd'hui encore, sont sensibles à l'oeuvre de Poussin.

  • Une découverte de l'oeuvre de l'artiste fauve produite entre 1904 et 1914, à travers peintures, illustrations et photographies.

  • Le musée Tomi Ungerer. Centre international de l'illustration conserve dans son fonds près de 400 dessins réalisés par l'artiste entre 1935 et 1953, soit entre ses 4 ans et ses 22 ans, pour la plupart soigneusement conservés et datés par sa mère. Seule une petite partie de ces dessins de jeunesse sont connus du grand public, par le biais de l'ouvrage À la guerre comme à la guerre, dans lequel Tomi Ungerer mêle souvenirs écrits de l'occupation allemande et dessins réalisés pendant cette période.
    L'ensemble du fonds révèle bien sûr un enfant extraordinairement doué, témoignant déjà d'un sens aigu de la composition et du format, du mouvement et de la narration par l'image, mais aussi un petit garçon ordinaire qui aime les cow-boys et les engins mécaniques, marqué par les influences graphiques de son temps (Dubout, Walt Disney...). On y lira également, en plus des menus faits de la chronique familiale, les germes des sensibilités et thématiques de l'artiste adulte, notamment un intérêt marqué pour le rapport colons / colonisés. La présentation de ce fonds inédit viendra enrichir la connaissance de l'oeuvre de Tomi Ungerer et éclairer un thème encore peu traité : l'intérêt des artistes eux-mêmes pour une création libre, spontanée et non académique, sorte « d'état de nature » artistique.
    Le catalogue de la collection sera introduit par un texte général sur le rapport que les artistes entretiennent avec leur production de jeunesse. Il étudiera ensuite les rapports entre cette production juvénile et l'oeuvre de l'artiste accompli. Un entretien avec l'artiste commentera plus spécifiquement certains des dessins et apportera un regard personnel et rétrospectif sur cet ensemble inédit.

  • La monographie la plus récente proposant une approche globale de l'oeuvre de Paul Klee.

    Du cubisme au primitivisme en passant par le constructivisme, le catalogue explore pour la première fois l'ensemble de la création de Paul Klee. Jusqu'aux années de crise et d'exil, chaque temps fort de la vie de cette figure majeure de l'art moderne est exploré en profondeur à travers ses plus grands chefs-d'oeuvre et ses différents moyens d expression (peinture, lithographie, gravure, dessin et même marionnettes).

  • Un panorama de la carrière des deux artistes et de leur univers kitsch et onirique, influencé par le pop art et la culture gay.

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