À l'occasion de l'exposition du sculpteur Ron Mueck en juin 2023, la Fondation Cartier publie une version augmentée du catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste publié pour la première fois en 2013. Cet ouvrage de référence présente l'ensemble des sculptures créées par Ron Mueck depuis ses débuts en 1996 à travers de nombreuses photographies et des documents inédits. Des notes de l'artiste, des vues de studio, des dessins préparatoires et des photographies de maquettes permettent au lecteur de découvrir le processus de création de Ron Mueck et d'entrer dans l'intimité de son travail. Des contributions du critique d'art Justin Paton et des historiens de l'art Robert Rosenblum et Robert Storr, ainsi que du philosophe Peter Sloterdijk explorent les thèmes majeurs qui sous-tendent son art. Read more Close

Brancusi apparait dans le monde de l'art comme un personnage singulier dont l'oeuvre impressionnait tant par la pureté des formes et la modernité que par une forme d'archaïsme difficile à caractériser. En révolutionnant la sculpture du XXe siècle, l'artiste roumain a ouvert un vaste débat sur l'art moderne qui reste toujours d'actualité, sa création étant le sujet de multiples études. Ainsi toute l'oeuvre de Brancusi a éte marquée par les figures des femmes qui ont accompagné chacune des étapes de sa vie. Elles font intégralement partie de sa création et de sa démarche d'artiste qui a toujours tenté de saisir l'essence même de leur personnalité. Très apprécié des femmes en général, séducteur mais ami fidèle, il exercait une espèce de magnétisme auprès de celles qui ont fréquenté son atelier, et inspiré sa sculpture, échangeant avec lui une abondante correspondance. Brancusi et ses muses explore la nature de cette inspiration évoquant ainsi amies, maîtresses, et mécènes comme la danseuse Suisse, Marthe Lebherz et la pianiste anglaise, Vera Moore. Margit Pogany, Léonie Ricou, Eileen Lane, la baronne Renée-Irana Frachon, Agnes E. Meyer and ses quatre filles Marina Chaliapin, Nancy Cunard, Beatrice Wood, Mina Loy, Lizica and Irina Codreanu ont toutes inspiré des oeuvres majeures de la sculpture moderne. C'est le sujet de cet ouvrage qui apporte un éclairage inédit sur le plus grand sculpteur du XXe siècle. Un tel ouvrage s'adresse autant aux spécialistes d'histoire de l'art qu' à un public plus large intéressé par la vie artistique en France au début du XXe siècle. Conservatrice honoraire au centre Georges Pompidou, Donia Lemny a assuré la publication des archives Brancusi ainsi que le commissariat de nombreuses expositions consacrées à l'artiste roumain, à l'Atelier Brancusi du musée. Elle a déjà publié Brancusi, la chose vraie, aux éditions Gourcuff Gradenigo. Read more Close

Jean-François Jaussaud a rencontré Louise Bourgeois en 1994 dans son atelier de Brooklyn. Passé au crible de ses questions, le photographe est finalement adoubé par l'artiste. Un premier rendez-vous a lieu au printemps 1995, mais à une seule condition : détruire les images si celles-ci ne lui plaisent pas...
Jaussaud accepte et passe le « test ». Il obtient alors carte blanche pour photographier librement l'atelier et la maison de Chelsea. Il reviendra pendant onze ans.
Ces images rares montrent l'une des plus grandes artistes contemporaines dans son intimité, au coeur de son oeuvre.

César Baldaccini, dit César, est un sculpteur français, né le 1 er janvier 1921 à Marseille (Bouches-du-Rhône) et mort le 6 décembre 1998 à Paris.

« C'est par un pur hasard, je travaille à la ferraille, là où je suis il y a des milliers de tonnes de ferraille, je voyais les compressions. Les premières que j'ai utilisées, je les ai prises toutes faites. [...] C'est l'appropriation d'une technique, l'appropriation de la presse, au lieu de souder je presse, au lieu de modeler je soude, au lieu de taper sur un marteau et de faire des saignées dans le marbre, je presse. » César, entretien avec Charlotte Bonello, 1978

Né en 1947 à Garessio en Italie, Penone est associé au mouvement de l'arte povera. Son oeuvre développe depuis ses débuts une réflexion sur la relation entre nature et culture.
L'exposition conçue par la BnF et le catalogue qui l'accompagne restituent la richesse de ses explorations conceptuelles - notamment autour de la mémoire, l'empreinte et le livre - comme la diversité des techniques utilisées : sculpture, installations, peinture, poésie...

Sève et pensée.
Oeuvre inédite et magistrale, Sève et pensée est une spectaculaire installation formée des deux segments du frottage, sur fine toile de lin, du tronc d'un acacia de trente mètres de long. Inscrit de part et d'autre du frottage se déploie un texte poétique, véritable « flux de conscience » de l'artiste, réflexions sur l'art, la nature, le temps, la mémoire, le cycle de la vie et de la mort.
À partir de Sève et pensée se dévoile un réseau de filiations avec des oeuvres chronologiquement éloignées de Giuseppe Penone, des Alberi libro (Arbres-livre), poutres écorcées et creusées jusqu'à la révélation de l'arbre originel, à la série inédite Leaves of grass, grandes peintures qui seraient comme la « fossilisation » des premières empreintes laissées sur la couverture du livre par l'auteur et les lecteurs successifs.
L'exposition présentera également au public la formidable donation de gravures faite par l'artiste à la BnF. Ces oeuvres récentes, réalisées pour certaines pendant le confinement du printemps 2020, se présentent comme des notes intimes qui accompagnent le travail de création.

Empreinte et lecture tactile.
L'historien de l'art Francesco Guzzetti explore dans son essai la notion d'identité dans l'oeuvre de Penone à travers le motif de l'empreinte, qu'elle soit humaine, végétale ou écrite.
Le livre, en tant qu'objet est « empreinte » : ses pages portent celles des mains qui les ont écrites, celles des lecteurs qui les ont touchées, parcourues.
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De février à septembre, de l'hiver à l'automne, le cycle d'exposition "Avant l'orage", présentée par la Collection Pinault, invite à un cheminement, de l'ombre à la lumière, à travers des installations et des oeuvres emblématiques pour certaines, inédites pour d'autres, d'une quinzaine d'artistes, qui s'emparent de tous les espaces de la Bourse de Commerce. Sur fond de déréglement climatique, dans l'urgence du présent, avant que l'orage à nouveau n'éclate, les artistes de l'exposition inventent des écosystème instables figurant d'inédites saisons.

« Legacy » fait dialoguer des oeuvres anciennes, inédites?et de nouvelles productions de Sophie Ristelhueber?avec un ensemble d'oeuvres d'Alberto Giacometti. Reconnue mondialement pour son travail photographique sur la guerre, l'artiste propose ici une réflexion tout aussi importante mais moins connue, autour des traces de la mémoire familiale inscrites dans les lieux et objets de réminiscence. Cet ouvrage richement illustré permet de saisir la force et la singularité de ces oeuvres de l'intimité. Dans une approche teintée de mélancolie, Ristelhueber revisite l'un des sujets fondamentaux de l'artiste moderne, l'ambivalence entre la vie et la mort dans la représentation artistique.«Legacy» places old works, not previously exhibited and new productions of Sophie Ristelhueber side by side in dialogue with a series of pieces by Alberto Giacometti. Internationally renowned for her photographic work on war, the artist presents here a reflection as important but less well-known on the traces of family memory inscribed in places and objects of reminiscence. This richly illustrated book gives the reader the opportunity to discover the strength and singularity of her works on intimacy. In an approach tinged with melancholy, Ristel- hueber revisits one of the main issues the modern artist is concerned with, the ambivalence between life and death in art representation. Read more Close

Catalogue annuel de l'exposition d'été de la Collection Lambert, qui présente l'oeuvre d'Ann Veronica Jannsens, artiste plasticienne belge.

L'ouvrage Brancusi ou l'anonymat du génie paraît pour la première fois en 1967 aux éditions Méridiane, à Bucarest. Hommage à l'oeuvre du sculpteur roumain, il présente plus d'une centaine de photographies réalisées par Dan Er Grigorescu, photographe fasciné par l'art de ce maître de la modernité.
Reprenant le format album de la première édition, le présent ouvrage a puisé dans les archives exceptionnelles de Dan Er Grigorescu, qui durant trois décennies, entre 1964 et 1967, photographia les célèbres sculptures de Brancusi dans son atelier ainsi que celles de l'ensemble monumental de Târgu Jiu, petite ville du centre-ouest de la Roumanie. La vision très graphique de l'espace, les jeux d'ombre et de lumière, la plongée dans la matière et la sobriété des images de Grigorescu restituent l'abstraction plastique des sculptures de Brancusi. Fasciné par les arts traditionnels roumains, le sculpteur conjugue éléments vernaculaires et motifs modernes. Ainsi, le motif du rhombe (losange en volume) présent dans l'art populaire roumain comme ornement architectural prend toute son ampleur dans la Colonne sans fin , l'une des trois pièces de l'ensemble de Târgu Jiu, avec la Porte du baiser et la Table du silence . Réalisées entre 1937 et 1938, ces oeuvres, disposées sur un axe de près d'un kilomètre de long, composent un ensemble exceptionnel, toujours conservé aujourd'hui, et témoignent de l'importance de la fusion entre l'art et la nature chez Brancusi. L'atelier était perçu par l'artiste comme " un tout organique autonome " : le site de Târgu Jiu concrétise cette vision architecturale et organique de la sculpture. Avec ses prises de vue en série, ses images saisissant sous des lumières et des angles différents des oeuvres désormais iconiques du XXe siècle, cet album offre un nouveau regard sur l'artiste. Read more Close

Associated with the Nouveaux Réalistes and Zero, Swiss painter and sculptor Jean Tinguely (1925-91) is best known for his whirring, jangling meta-mechanic sculptures, which take up Dada's mantle in their use of discarded materials and their wit, humor and irony. But this perception of Tinguely as merely a playful kinetic sculptor neglects the more topical, critical, theoretical and interdisciplinary aspects of Tinguely's work. An extensive monograph on this chronically underpublished artist, Jean Tinguely: Retrospective is the first publication to explore the artist's work from this perspective.
Tinguely's machines are built to malfunction or self-destruct, expressing a pessimistic view of human existence and death--and yet they are infectiously cheerful. His meta-mechanics suggest a hobbyist's enthusiasm for technology, but made out of junk, they also suggest the artist's skepticism regarding technological advance. Tinguely loved art history, and yet he launched savage attacks on the museum with pieces that are now seminal works of institutional critique.
With contributions from Kaira Cabañas, Hans-Christian von Herrmann, Dominik Müller, Johan Pas, Margriet Schavemaker, Barbara Til and Beat Wismer, this volume presents Tinguely as an artist whose work sustained contradictions and courted ambiguity.
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Le sculpteur Giuseppe Penone, né en 1947 à Garessio, aux confins de la Ligurie et du Piémont, est un artiste majeur de la scène artistique internationale. Plus jeune représentant de l'Arte Povera, c'est avec une oeuvre dont le titre rend hommage à sa double ascendance géographique qu'il entre en scène en 1968. Cette oeuvre inaugurale, Alpi Marittime, est une série d'interventions dans la nature avant d'être une série de photographies.
D'emblée se pose avec elle la question suivante : Où commence l'oeuvre et où s'arrête l'archive ?
Le livre croise des travaux parfois distants de plus de quarante ans, pour montrer comment, tout en se ramifiant, l'oeuvre de Penone reste fidèle à ses premières intuitions.
Ses archives ayant été grandes ouvertes, l'attention de l'auteur s'est principalement portée sur des oeuvres rares, parfois inédites, certaines anciennes, d'autres récentes, dont l'approche, lorsqu'elle n'a pas été rendue possible par la photographie, est favorisée par des récits précis, nourris d'informations recueillies avec une grande complicité auprès du sculpteur.
Les oeuvres les plus célèbres d'un artiste en occultant inévitablement d'autres, cet ouvrage, qui les considère toutes au stade de la conception, tend à placer en pleine lumière des expérimentations et documents demeurés à l'arrière-plan, abolissant la distinction entre positif et négatif, intérieur et extérieur, individuel et universel, oeuvre en cours de réalisation et oeuvre réalisée. C'est en somme le portrait d'un artiste à l'oeuvre que l'on découvre ici, tout aussi déterminé même quand il diffère de plus de quarante ans la présentation de certains de ses travaux.
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Dans le cadre de la première exposition monographique de l'artiste au Centre Pompidou, à Paris, du 19 octobre 2016 au 20 février 2017, les Éditions Dilecta réalisent le catalogue de Jean-Luc Moulène.
Artiste pluridisciplinaire, Jean-Luc Moulène est une figure incontournable de la scène artistique contemporaine française et internationale. Ses oeuvres - objets, photographies, films - expriment à la fois « une réflexion permanente sur la condition de l'artiste dans la société, une critique radicale des manipulations et des séductions de la représentation ainsi qu'une recherche formelle souvent teintée d'humour ou de dérision. » L'exposition au Centre Pompidou, sous le commissariat de Sophie Duplaix, n'est pas une rétrospective, elle s'attache à présenter les protocoles auxquels s'attache l'artiste à travers une production d'oeuvres inédites. Le catalogue prolonge ainsi l'exposition en abordant les questions chères à l'artiste : le photographique, l'érosion, l'exposition, l'abstraction, la forme... À travers la déclinaison de sa pratique en textes et en images et des documents d'archives, le lecteur aura l'occasion d'aborder l'oeuvre de Jean-Luc Moulène sous un angle résolument nouveau.
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Un catalogue retraçant la carrière d'un sculpteur à l'oeuvre étonnante, avant tout connu pour ses compressions et le trophée qui porte son nom.
Première anthologie de cette ampleur, cet ouvrage a vocation a devenir une référence scientifique sur l'artiste, amendée par sa dernière compagne et ayant-droit.
Tout sur César ! Biographie complète, textes inédits, écrits de l'artiste et approche thématique de l'oeuvre...

Pour ses 20 ans, le musée d'Art moderne et contemporain de Strasbourg donne carte blanche à Joana Vasconcelos pour occuper les quelques 600 m² de sa salle d'exposition. L'artiste portugaise s'empare de cet espace pour y aménager un curieux appartement, avec moquette, couloirs et mobilier insolite. Dans cet étrange intérieur, les objets du quotidien sont transformés en sculptures et en installations tantôt modestes, tantôt monumentales, mais toujours surprenantes.
À l'image du clip de la chanson de Queen qui donne son nom à l'exposition, Vasconcelos convoque l'espace privé de la vie domestique et le transfigure pour en faire un lieu de liberté et d'émancipation. Première artiste-femme (et plus jeune artiste) à avoir exposé à Versailles en 2012, elle questionne également la place des femmes dans notre société, dans une oeuvre alliant féminisme et féminité. Avec une grande sophistication et non sans ironie, Vasconcelos présente des oeuvres à la fois décoratives et conceptuelles, parfois très glamour, parfois plus politiques. La culture portugaise est omniprésente, qu'elle soit musicale comme le fado, ou plastique, avec une grande place faite au textile. L'artiste se place véritablement au carrefour de diverses influences, du baroque au pop-rock en passant par le folklore et le surréalisme.
L'ouvrage permettra d'explorer ces diverses influences à travers un entretien avec l'artiste et un essai critique de l'historienne d'art Julie Crenn, spécialiste du textile dans l'art contemporain. L'ensemble sera richement illustré de photographies des oeuvres et de leurs nombreux détails, ainsi que de la spectaculaire Valkyrie installée dans la nef du musée.
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Depuis le début de sa carrière, Jean-Pierre Raynaud entend créer « un projet qui résiste aux modes et au temps ». Résister au temps grâce à l'art, tel est son projet artistique.
La nouvelle série, Cible, est chez l'artiste en écho avec son célèbre Pot, les Stèlesde carrelage blanc en céramique, ou encore les Sens Interdits... Elles correspondent à une nouvelle étape de l'oeuvre de Raynaud, et sont associées à un nouveau lieu : Campagne Première. Car, Raynaud est également un bâtisseur, dont les constructions parcourent l'oeuvre : La Maison, détruite en 1996, Le Mastaba, devenu lieu de culture à la Garenne Colombe, ou encore La Maison jardin/atelier de Barbizon. Chacune de ces entités, oscillant entre la maison privée et le musée, lieu de monstration, sont inscrites dans l'oeuvre de Raynaud, comme autant d'évènements, d'expositions personnelles dont il est le commissaire. Évènements, qui font l'objet de livres.
Chacune des publications, ont été théorisées par un historien de l'art, ici, Laurent Lebon, directeur du Musée Picasso. Les oeuvres dans leur environnement ont été photographiées par Philippe Chancel, sous l'oeil vigilant, expert, de l'artiste lui-même. Il en résulte un ouvrage d'une forte plasticité, où seule la lumière, les blancs - espaces mentaux - semblent révéler les oeuvres en parfaite osmose avec leur environnement, leur complétude.
Enfin, ce livre devrait révéler au lecteur, la persistance d'un créateur à vivre son oeuvre différemment, hors des circuits communément admis, afin de mieux questionner le rôle que s'est assigné l'art dans notre société, mis à mal depuis le tournant du siècle.
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Thomas Lanfranchi est l'un de ces artistes rares dont on guette avec un intérêt toujours renouvelé la moindre manifestation. Avec la même opiniâtreté qu'y mettrait un savant, il mène depuis des années une même recherche, en marge des grands circuits spectaculaires, quelque part aux confins - et au point instable, sinon même improbable où ils se croisent - de la sculpture, de la performance et du dessin.

La Monnaie de Paris organise la première rétrospective parisienne de l'artiste allemand Thomas Schütte qui se déploiera dans les cours et dans les espaces intérieurs. Depuis les années 80, l'artiste apparait comme l'un des principaux réinven- teurs de la sculpture. Il est aujourd'hui un artiste majeur et inclassable. À la pluralité des mediums employés par Thomas Schütte (sculpture, installation, photographie, peinture, dessin) correspond un ensemble de genres, celui de du portrait, de la nature morte et du paysage.
L'exposition en trois actes - femmes, hommes et architecture - témoigne de la troublante et grinçante analyse que fait Thomas Schütte de l'organisation de la société et de son impact sur les individus. « Mes oeuvres ont pour but d'introduire un point d'intérrogation tordu dans le monde ».
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Reprenant l'histoire inédite de la sculpture hors normes d'Anish Kapoor, installée de juin à novembre 2015 dans le parc du Château de Versailles, sur le Tapis vert de Le Nôtre, quelque peu chahuté pour l'occasion, ce livre retrace minutieusement la chronique des événements peu communs qui ont alors scandé la vie de Dirty Corner. Rebaptisé « Vagin de la reine » avant même d'être montré au public, ce que d'aucuns ont pu qualifier de « déchet sculptural » sera le terrain de quatre actes de vandalisme, incluant notamment le tristement célèbre épisode des graffitis haineux et antisémites qui avait fait la une des journaux en septembre 2015. C'est cette dynamique entre la violence politique, que Dirty Corner contient désormais irrévocablement, et la violence artistique, qui s'efforce de la dépasser, qui fait ici l'objet d'une analyse documentée et d'une réflexion critique.
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Une sorte d'anti-monographie en plusieurs épisodes proposée par l'artiste Simon Nicaise autour de son projet de Tour de France des métiers et pratiques.
Le projet de Tour de France de Simon Nicaise crée, de ville en ville et de métier en métier, les conditions pour étendre le spectre des domaines de sa pratique, notamment auprès d'artisans détenant des techniques spécifiques jusqu'alors méconnues de l'artiste. Au fil de différentes étapes, il se forme à des savoirs et techniques dont il nourrit sa pratique actuelle et à venir. De ce nomadisme volontaire naît une série d'oeuvres, apparues dans le frottement à des professions et des formes de transmission exigeantes, mais aussi à des pratiques amateurs et des métiers non compagnonniques. Ce Tour de France est l'occasion pour l'artiste de délocaliser sa pratique et déplacer son atelier, de découvrir de nouveaux savoir-faire et se former à de nouveaux outils.
La revue Pain Liquide accompagne Simon Nicaise en éditorialisant son projet de Tour de France. Pour le premier numéro, l'artiste invite des camarades à proposer un texte sur une question qui concerne la notion de compagnonnage. L'exposition du travail s'associe à une iconographie réunie pour l'occasion.
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The definitive monograph on American sculptor and visual artist Lynda Benglis, one of the most important living artists today.

Since her arrival in New York from her native Lousiana in the late 1960s, Lynda Benglis gained recognition for creating a groundbreaking body of work that challenged at once sculpture and painting conventions in an until then largely male-dominated art world. A tireless explorer of new shape and materials, Benglis's gestural and formal approach to art-making has, over the years, elevated her to iconic status, her work being evidence of how process can wield pliant matter and let it 'take its own form'.

Cette monographie exhaustive, avec de nombreux textes critiques et entretiens, retrace le travail développé par Bernhard Rüdiger sur l'expérience physique, mettant en jeu l'objet, le corps, l'espace et le son, depuis trente-cinq ans, présenté dans un ordre chronologique inverse : chaque exposition est suivie de celle qui la précède.
Lieu privilégié du travail de la forme, la maquette est devenue pour l'artiste un espace d'expérimentation, souvent enrichi de séries de dessins d'étude. Comme pour les maquettes, il s'agit d'une mise à l'épreuve d'un processus plutôt que de la représentation de formes à produire. A des moments précis de sa carrière, ces maquettes ont étés réorganisés pour être exposées. Ces récurrences sont liées à des moments critiques, quand des nouvelles oeuvres, des expositions, mais aussi des changements importants dans la réception du travail et plus généralement, dans la condition historique de faire de l'art, l'ont contraint à revenir sur les oeuvres produites. Pour aller de l'avant l'artiste a ainsi réorganisé le travail passé, non pas à partir de ce qui est terminé dans les ouvres, mais à partir de ce que leur maquettes ont laissé ouvert et rendent visible dans une nouvelle réorganisation en atlas. Un espace qui met en relation et confronte les formes entre elles.
Le matériau principal de cette édition, les expositions organisées en ordre chronologique (des dernières expositions aux tout premières vers la fin des années 1980) suit une même logique. D'installation en installation le travail se donne à voir par la confrontation dialectique d'approches différentes à partir de ce qu'on appelle la spatialisation. L'artiste a étudie au début des années 1980, période à laquelle la pratique du white cube comme espace entièrement dédié à l'art s'est affirmé. Dès le début de sa carrière, la question de la perception subjective du spectateur et le manque d'une continuité avec l'espace social et politique à l'extérieur du lieu d'exposition, ont été au centre de ses préoccupations. La spatialisation du travail a été une recherche constante en vue d'ouvrir dans les espaces concrètement occupés par les oeuvres (presque toujours des lieux avec les caractéristiques héritées des années 1980, celui des Kunsthalle allemandes, mais aussi nos centres d'arts blancs aux cimaises mobiles) de fenêtres et des points de vue, souvent politiques et culturels, sur le monde environnant. L'organisation chronologique des expositions et des installations se propose de rendre intelligible la relation toujours changeante entre oeuvre, regardeur et cet horizon nécessaire qui reste toujours à réinventer.
Dans cette juxtaposition d'étapes du parcours de l'artiste un certain nombre d'oeuvres, montrées à diverses occasions, sont signalées comme des passages indispensables entre une exposition et la suivante. Elles apparaissent sous la catégorie « oeuvre ». Une partie de dessins sont montrés dans cette même catégorie.
Les textes critiques (dont certains inédits) et les entretiens avec l'artiste de différentes périodes qui accompagnent ce catalogue, ainsi qu'un apparat biblio-biographique, portent une lumière particulière sur des moments décisifs de la production d'oeuvres et des expositions.
L'essai introductif a été rédigé par François Aubart lors de la préparation de l'exposition monographique de Rüdiger, Chambre double, aux Tanneries - Centre d'art contemporain d'Amilly en 2021. Il met en lumière la manière dont Rüdiger a été influencé par la découverte - à Milan dans les années 1980 - de l'enseignement de Luciano Fabro et du travail spatial de Lucio Fontana, ainsi que par son implication dans un collectif aux collaborations intenses, et analyse la manière dont ces attitudes ont infusé les multiples formes de son travail. Read more Close

En 2018, Abdel Abdessemed a présenté une exposition évènement à Arles : "Au-delà du principe de plaisir". Cet ouvrage fait office de catalogue rétrospectif de l'exposition qui était constituée de photographies et de sculptures où l'artiste se met en scène pour retranscrire l'expression des tensions et leur traduction la plus commune comme point de départ à toute forme de création. La plupart des photographies ont été réalisées dans la rue qui longe son studio à Paris. Il a réellement amené un lion dans la rue, il a effectivement mis le feu à ses habits, les squelettes existent et on pourrait les rencontrer dans son atelier... À chaque fois, il s'agit d'une situation réelle et précise,  provoquée, choisie pour son caractère symbolique et émotionnel.
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Un coup de dés jamais n'abolira le hasard (Sculpture) est une copie fidèle de l'édition de 1914 du poème du même nom du symboliste français Stéphane Mallarmé, mais avec tous les mots coupés au laser. Publié seize ans après la mort du poète, Un coup de dés est devenu célèbre pour sa combinaison intime de vers libres et de mise en page typographique inhabituelle. Le poème de vingt pages anticipe l'intérêt pour le graphisme et la poésie concrète qui a émergé au XXe siècle. La préface de la version de Michalis Pichler du chef-d'oeuvre de Mallarmé présente l'intégralité du poème écrit sous forme de bloc de texte, chaque ligne étant séparée par une barre oblique ( / ). Douze doubles pages suivent, avec des fenêtres parfaitement découpées remplaçant le texte. Au fur et à mesure que vous tournez les pages, de nombreuses ombres sont générées par les découpes. La première édition de Michalis Pichler a été publiée en 2008 et rapidement épuisée. Cette nouvelle édition rend le livre d'artiste à nouveau accessible. Read more Close

Ce livre donne à sentir le poids du drame libanais, non dans sa réalité documentaire, mais dans sa dimension vécue. Etienne Krähenbühl, en visite au Liban en 2000, prend la mesure de ce qu'a été la guerre. Le pays, champ de blessures ouvertes, le fascine, l'attire, l'atterre. Dans la petite ville d'Aley, il marche sur un tapis d'obus. Hypnotisé, il lève un éclat dans la lumière du soleil qui filtre à travers les branches du seul cèdre qui demeure en ces lieux. Il décide d'en figer l'élan. Il fixera ces fragments meurtriers sur de longues tiges souples. Il dressera les éclats devenus fleurs ou épis, il les élèvera en un champ de mille fleurs du mal, suspendues dans la mémoire des vents. Les textes tissent une réflexion tour à tour poétique, narrative et analytique autour de l'oeuvre, des résonances qu'elle appelle, de l'histoire qui remonte à la surface de la mémoire. Une terre, une mémoire, une infinité de possibilités fracassées : il s'agit de dire, d'exprimer et de témoigner.
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