Beaux livres divers

  • À cause du sujet traité ainsi que du ton humoristique qui soustend rien de moins qu'une 'Philosophie' en quête de la chambre idéale nous sommes face à un texte atypique dans la productio littéraire d'Edgar Allan Poe.

  • S'iinstaller sur les positions d'autrui, épouser le mouvement du raisonnement de la partie adverse pour en exploiter les faiblesses : l'art de la discussion, c'est l'art de la guerre. Schopenhauer sait que les mots et les arguments sont des poignards dont la pointe peut tuer ; il sait aussi que la seule réalité qui vaille est notre propre victoire, même si le vrai maître du jeu reste finalement le langage et ses ressources infinies.

  • Cette année, nous fêtons les 100 ans de la naissance de Michel Audiard. On le sait peu, mais l'auteur des «Tontons flingueurs »ou de «Mélodie en sous-sol »est celui qui a le plus adapté Georges Simenon au cinéma. Entre 1956 et 1961, il a collaboré à pas moins de six films tirés de l'oeuvre de l'écrivain belge, le père de Maigret, auquel il vouait une grande admiration, le tenant pour "le plus grand romancier vivant". Ce volume donne à lire les scénarios de trois de ces adaptations, dont Audiard fut à la fois le coscénariste et le dialoguiste : «Le Sang à la tête» (1956) de Gilles Grangier, «Maigret tend un piège» (1958) de Jean Delannoy et «Le Président» d'Henri Verneuil (1961). Trois films qui ont Jean Gabin pour acteur principal, à l'époque où Michel Audiard était son dialoguiste attitré et où l'acteur était devenu l'interprète simenonien par excellence.

  • J'accuse

    Emile Zola

  • Le Catalogue de la mort est une exploration décomplexée de la dernière grande étape de notre existence : la mort. Dans cet ouvrage à la fois drôle et érudit, Bunpei Yorifuji aborde tous les aspects imaginables du « passage vers l'au-delà » :
    Où meurt-on le plus ? De quelles causes ? Qui vit le plus longtemps ? Quelles sont les cultures où l'on craint le plus la mort et comment la représentent-ils ? Quelles sont les meilleures (et pires) façons de mourir ?
    Bref : qu'est-ce que la mort?
    À cette interrogation naïve, l'auteur répond comme à son habitude en texte et en image, mêlant dessins humoristiques et recherche approfondie. Fort d'une culture japonaise où ce sujet est appréhendé de manière décomplexée, Bunpei Yorifuji s'adresse dans cet ouvrage autant aux adultes qu'aux plus jeunes. Un livre à mettre entre les mains de toutes celles et ceux qui cherchent à aborder avec finesse le thème de la mort.

  • Il pleut sur le déluge

    Tonino Guerra

    On ose à peine présenter Tonino Guerra, poète, avant tout poète, dramaturge, artiste, et bien sûr scénariste de F. Fellini, de M. Antonioni, ainsi que de T. Angelopoulos, de De Sica, de De Santis, des frères Taviani, de F. Rosi, sans oublier d'A. Tarkoski qu'il accueillit en Italie et avec lequel il collabora à son film Nostalghia (1983)...
    Paru en Italie en 1997, alors que Tonino Guerra était âgé de 77 ans, Il pleut sur le déluge se présente comme un Journal tenu à l'écart, en Émile-Romagne, durant les douze mois d'une année. Véritable calendrier de l'âme, ce livre paru en est écrit au fil des sensations cueillies au passage des saisons, empli d'épiphanies et de visions tissées dans les souvenirs. Çà et là, des poèmes en dialecte romagnol surgissent, concentrés d'impressions et d'échos d'une vie paysanne.
    On trouvera en ces pages des portraits d'artistes russes et italiens dessinés avec une grande humanité, des excursions dans de petits villages romagnols... un voyage intérieur merveilleux et touchant, sans réelle frontière entre passé et présent, rêve et réalité.
    Roberto Roversi, poète et critique italien, le qualifie à juste titre de livre de méditations et de chant. «Il appartient à ce genre de livre auxquels - après les avoir lus - on doit dire merci.» Précisons que ce livre comporte des dessins de l'auteur.

  • Première rétrospective en France consacrée à Araki, l'un des plus grands maîtres de la photographie contemporaine japonaise, l'exposition retrace quelque cinquante années de travail d'Araki, de la série «Théâtre de l'amour» (1965) à des oeuvres inédites, dont l'installation «Tokyo-Tombeau» (2015), spécialement réalisée par l'artiste pour cette présentation au MNAAG. Nobuyoshi Araki, né à Tokyo en 1940, a publié au cours de sa carrière plus de cinq cents livres de photographies, ce qui fait de cet artiste le plus prolifique des photographes. Sa notoriété mondiale a souvent reposé sur l'érotisme de son art, et notamment sur les séries sulfureuses consacrées à l'art du kinbaku (bondage japonais né de l'art martial traditionnel du ligotage, le hojojutsu). La photographie d'Araki est cependant plus riche et plus complexe que ce seul chapitre, et l'exposition veut montrer la profondeur, l'ampleur et la poésie de son oeuvre. Ainsi, à travers un parcours en chapitres thématiques, nous sont présentées les séries consacrées aux fleurs, à Tokyo, à l'histoire d'amour passionnelle d'Araki avec son épouse Yoko ; des ciels de Tokyo, motif qu'Araki photographie chaque jour depuis plus de vingt-cinq ans ; et des extraits de son «journal intime photographié».

  • Les fantasmes qui nous hantent n'attendent pas pour conduire nos actions que nous y consentions.

    Ils n'attendent pas après le langage (qui n'envahit la tête que vingt-sept mois après notre conception, que dix-huit mois après notre naissance, qui nous quitte chaque nuit, avant de nous abandonner complètement dans la mort).

    Les fantasmes déterminent les jours, les rencontres, les heures, les gestes. Ils les contraignent. Ils présagent en silence. Ils s'imposent à nos mains, à nos voix tout à coup. Les nuits s'imposent à nos jours.

    P. Quignard

  • En 2007, TASCHEN publiait The New Erotic Photography, suivi en 2012 de The New Erotic Photography 2. Chaque volume comportait des centaines d'images fraîches et provocantes signées des talents érotiques les plus intrigants au monde. Aujourd'hui, le meilleur des deux livres est disponible sous le titre The New Erotic Photography, qui présente le travail de 62 photographes originaires de 10 pays, et explore ainsi les variations mondiales de la photographie érotique et l'évolution du médium photographique ces dix dernières années. On assiste au passage de l'argentique au numérique, tandis que ceux qui persistent à utiliser la pellicule auront autant tendance à travailler avec des Polaroids ou des appareils primitifs comme le Lomo et l'Holga plutôt qu'avec des boîtiers SLR traditionnels.
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    Les photographes présentés comptent notamment des nouveaux venus comme Gregory Bojorquez, Jo Schwab, Tomohide Ikeya, Frédéric Fontenoy, Andrew Pashis et Jan Hronsky, et des artistes établis comme Guido Argentini, Bruno Bisang, Eric Kroll et le défunt Bob Carlos Clarke. Plusieurs femmes remarquables figurent aussi dans cette édition, parmi lesquelles la vedette de cinéma érotique Kimberly Kane, la pionnière du numérique Natacha Merritt, la skateuse heavy metal Magdalena Wosinska, l'autoportraitiste Jody Frost et l'artiste April-lea Hutchinson. Tout cela constitue une somme étourdissante de nus pour un prix plus qu'alléchant.

  • «Une confiance d'enfant, une confiance qui va au-devant, espérante, qui vous soulève, confiance qui, entrant dans le brassage tumultueux de l'univers [...], devient un soulèvement plus grand, un soulèvement prodigieusement grand, un soulèvement extraordinaire, un soulèvement jamais connu, un soulèvement par-dessus soi, par-dessus tout, un soulèvement miraculeux qui est en même temps un acquiescement, un acquiescement sans borne, apaisant et excitant, un débordement et une libération, une contemplation, une soif de plus de libération, et pourtant à avoir peur que la poitrine ne cède dans cette bienheureuse joie excessive...» Henri Michaux, L'Infini turbulent (1957).

    Ouvrage collectif de Nicole Brenez, Judith Butler, Marie José Mondzain, Antonio Negri et de Jacques Rancière. Édition publiée sous la direction de Georges Didi-Huberman.
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  • Cartes de visites collectées une à une, répertoires d'adresses, photos de classe, albums, cartes postales envoyées ou collectionnées selon des principes oubliés...

    Avec ce projet, aussi plastique que littéraire, l'artiste propose de faire surgir des histoires possibles - banales ou extraordinaires - d'archives en dormance, révélant ainsi la puissance d'évocation de ce que Maurice Olender appelle le « matériau du rêve ». En intervenant dans la matière même des documents pour composer de nouveaux objets (effets de zoom, recadrages, mise en série...), Valérie Mréjen prête vie et langage à l'archive devenue, dans la continuité de ses derniers travaux, point de départ de narrations inédites.

    Les mêmes images, selon qui s'en empare, génèrent des récits radicalement différents. Valérie Mréjen a voulu l'observer en conviant à ses côtés cinq autres auteurs à donner voix à certains documents et à se prêter au jeu d'une réactivation de l'archive par la narration : Tania de Montaigne, Dominique Gilliot, Stéphane Bouquet, Bertrand Schefer et Laurent Mauvignier. Chacun nous montre à sa manière que travailler avec l'archive, c'est d'abord inventer.

    Soustraction est le 4e ouvrage de la collection « Le lieu de l'archive ».

  • Dans la capitale ottomane, comme dans les autres grandes villes de l'Empire ottoman, les Arméniens font figure de pionniers de la photographie, se passionnant très tôt pour le nouveau médium et ouvrant les premiers ateliers locaux qui se multiplient rapidement. De fait, plus d'un siècle après, leur travail nous permet de comprendre la vie quotidienne et les grands moments qui ponctuent l'histoire de toute une communauté.
    Ce beau-livre illustré avec l'exceptionnelle collection photographique de Pierre de Gigord, retrace une histoire de cette communauté arménienne, du XIXe siècle, avec l'ère des réformes qui coïncide avec l'invention des premiers procédés photographiques, à la fin de la Grande Guerre, dans la capitale ottomane, comme dans les provinces.

  • Fruit d'une collaboration entre le poète Paul Eluard, le photographe Man Ray et l'imprimeur-éditeur Guy Lévis Mano, Facile, livre d'artistes par excellence, est ici réédité en un fac-similé à la fabrication exceptionnelle, fidèle à l'édition originale. Ode à la femme, sous les traits de Nusch, muse du poète et modèle du photographe, Facile met en scène l'emprise amoureuse. Cinq poèmes d'Eluard épousent les contours sinueux du corps féminin, magnifié par Man Ray.
    La réédition de ce recueil, tiré à 25 exemplaires sur Japon impérial en 1935, se compose d'une couverture rempliée et illustrée d'une composition au plomb de Guy Lévis Mano photographiée par Man Ray, d'une photographie signée par le photographe et de douze photographies en noir et blanc reproduites en héliogravure. Ce fac-similé de l'exemplaire numéro 1 de l'édition originale, conservé à la Bibliothèque nationale de France et dédicacé par le poète et le photographe, est accompagné d'un livret rédigé par Nicole Boulestreau, spécialiste de l'oeuvre de Paul Eluard.

  • Pas de journal télévisé, d'article de presse ou de présentation d'entreprise sans une série de courbes, de diagrammes, de graphiques ou d'histogrammes, au point de parfois créer une forme de dépendance intellectuelle aux schémas en tous genres. Et pour cause : ces figures permettent de rendre une idée complexe immédiatement mémorisable par le cerveau humain, épargnant ainsi une longue démonstration. Mais saviez-vous que ce mode de pensée et d'expression, qui tient à la fois de l'image et de l'écriture, existait bien avant Microsoft et ses schémas auto-générés ? Confrontés aux mêmes difficultés que nous, érudits, hommes d'église ou simples artisans ont caché des trésors d'inventivité dans les manuscrits médiévaux où les roues, les arbres, les échelles et autres figures insolites invitent le lecteur à s'introduire, par l'oeil et l'esprit, dans le labyrinthe de l'âme et du monde.

  • Tout Rimbaud poète est là, dans son écriture, ce qui est un privilège rare.
    L'émotion est exaltée par la complicité qui naît avec cet extraordinaire ensemble de fac-similés. L'écriture engendre une forme de présence, une chaleur humaine, elle magnifie l'oeuvre, plus vibrante, plus violente, plus actuelle encore.
    Les dernières collections privées ont désormais renoncé au secret. Cette édition est donc définitive : elle contient non seulement de nouveaux textes (« Qu'est-ce pour nous mon coeur », « Michel et Christine », « Plates-bandes d'Amarante », « Honte ») mais aussi de nombreuses variantes.
    Nous reproduisons aussi pour la première fois le Rapport sur l'Ogadine car il est un exemple fondamental de la nouvelle « oeuvre » que Rimbaud avait voulu construire en corne de l'Afrique : travail rigoureux, description objective, précision « scientifique ». Était-il devenu un autre ? Non : l'écriture révèle le même homme, sa nature, son histoire, mais le trait maîtrisé dit aussi les tensions intérieures, les enfermements, la violence à soi-même, en soi-même. La magie de Rimbaud et son drame. Les espérances, les chutes, les excitations et les rêves que les mots ne disent pas, mais que l'écriture révèle. Ce livre est fait d'émotion pure.

  • À la fin des années 1960, l'opposition à la guerre du Vietnam, au racisme et à l'injustice sociale se radicalise aux États-Unis, avec le soutien de nombreux artistes. Le 9 septembre 1971, une révolte éclate à la prison d'Attica dans l'État de New York. Immédiatement, les détenus, en majorité noirs, font entrer journalistes, photographes et observateurs. Pour la première fois, une mutinerie est ainsi suivie de l'intérieur. Au bout de quatre jours, l'assaut est donné. La révolte se solde par quarante-trois morts et des dizaines de blessés.
    L'événement a un écho immense, entraînant enquêtes et mobilisations :
    Attica devient un symbole de la lutte contre l'arbitraire. C'est cette histoire, à la fois artistique et politique, que met en lumière le livre. Elle renvoie aux conflits raciaux qui traversent toujours les États-Unis et à la situation dramatique de ses prisons. Elle engage aussi à porter plus d'attention aux conditions de détention comme aux discriminations qui existent en France aujourd'hui.
    Outre documents et images d'archives, le livre rassemble des photographies et oeuvres graphiques d'artistes tels que Cornell Capa, Emory Douglas, Faith Ringgold, Martha Rosler, Stephen Shames, ou Frank Stella. Il comprend également six essais d'historiens de différentes disciplines ainsi qu'une introduction et un récit des événements par Philippe Artières, historien, directeur de recherches au CNRS et responsable de l'ouvrage.
    L'historienne de l'art Elvan Zabunyan consacre son essai à l'engagement des artistes américains au cours des années 1960-1970. Se plaçant du côté du « pouvoir », l'historien de la photographie Thierry Gervais analyse la manière dont Newsweek, Time ou Life rendent compte des événements tandis que, du point de vue opposé, l'historienne du cinéma Nicole Brenez revient sur les films militants réalisés à cette époque. Les historiens de la musique Jedediah Sklower et Emmanuel Parent resituent les différents morceaux consacrés à Attica dans l'évolution des musiques populaires aux Etats-Unis depuis la Seconde Guerre mondiale.
    Deux essais de spécialistes de l'histoire africaine-américaine complètent cet ensemble. Le livre s'ouvre sur un panorama de la situation politique et de la contestation aux Etats-Unis, au tournant des années 1960-1970, écrit par Caroline Rolland-Diamond, professeure à l'université Paris-Ouest ; il se conclut avec un texte de Tom Holt, professeur à l'université de Chicago, sur le lien entre la prison et la discrimination raciale aux Etats-Unis.
    En proposant cette diversité de points de vue, Attica, USA, 1971 espère permettre aux lecteurs français à la fois de découvrir un événement exceptionnel et une histoire dont les échos sont encore sensibles aujourd'hui.

  • 30 ans après sa disparition à la fin du XIXe siècle, un baleinier retrouve les traces d'une expédition polaire suédoise. Ces traces, Hélène Gaudy en a fait son matériau de travail. Elle est à l'origine d'une exposition d'art contemporain explorant le décalage entre le voyage et ce que le voyageur désire en montrer. Dix-sept auteurs ont écrit à partir des oeuvres. Dans ce rapport texte/image décalé, ils réinventent l'expérience du déplacement au prisme d'un monde confronté à l'impossibilité d'une exploration réelle et à la disparition des terres vierges. Ils interrogent la façon dont les mythes engendrés par le voyage en suscitent de nouveaux, s'adaptant à l'évolution de la société et aux nouvelles façons d'arpenter le monde. Ce livre rassemble leurs textes accompagnés d'une photographie.

  • À partir des archives de l'IMEC, Gilles A. Tiberghien propose un voyage à travers nos représentations du monde.

    Comment se sont-elles construites ? À quelles sources puisent-elles ? Du roman au journal de voyage, de la correspondance d'explorateur au compte rendu scientifique, de Jules Verne à Jean Rouch, de Jules Supervielle à Georges Devereux, le monde s'ouvre, se donne à voir, à comprendre, à méprendre.

    Dans cette fabrique de l'imaginaire, les représentations occidentales de l'Afrique, de l'Asie, du Grand Nord s'élaborent dans un moment de conquête coloniale, versant incontournable de l'inconscient collectif. Entre centrement et décentrement, entre stéréotypes et voeux d'objectivité, quelles parts prennent les sentiments d'exotisme et les rêves d'aventure ? Récits de voyage, études de terrain anthropologiques, photographies, l'explorateur prend aussi le visage du rapporteur désireux de rendre compte d'une réalité nouvelle. Les archives racontent ces histoires, disent le monde, le saisissent ou l'inventent, elles nous livrent la trace de pérégrinations entre réel et imaginaire, où il est toujours aussi question de soi et de l'Autre.

  • La Méditerranée est au coeur de l'existence de Jean Genet. Dès son enfance, il part, fugue, s'évade, s'engage dans l'armée, déserte et vagabonde. Ces errances clandestines nourrissent une large part de ses livres et sont prolongées, après sa sortie de prison et l'accès à la notoriété, par le voyage.
    Cet ouvrage, catalogue de l'exposition «Jean Genet, l'échappée belle» présentée au MuCEM, propose de retracer la vie de Jean Genet à travers trois oeuvres inscrites dans la géographie méridionale : Journal du voleur, Les Paravents et Un captif amoureux. Berceau des premières expériences et abri lumineux de la fin de sa vie, la Méditerranée est le pôle magnétique de sa trajectoire, celui auquel il revient obstinément.
    Grâce à des images d'archives, des photographies, des lettres et des extraits de ses manuscrits, cet ouvrage invite à suivre Genet au coeur de l'Espagne, de l'Algérie et du Moyen-Orient.

  • jean vigo, né en 1905, a été marqué durablement par son enfance, placée sous le signe de la tragédie.
    il a 12 ans, en août 1917, lorsque son père, ancien militant anarchiste meurt dans des conditions dramatiques à la prison de fresnes, où l'a conduit une affaire de trahison. " fils de traître ", jean vit désormais dans une semi-clandestinité dont il ne sortira que dix ans plus tard, hanté par le souvenir de son père et l'obsession de le réhabiliter. malgré la maladie, il s'oriente résolument vers le cinéma et lui donnera, en cinq ans, une oeuvre fulgurante.
    quatre films, totalisant moins de trois heures de projection, qui portent les marques de la fièvre et de l'intensité qui ont caractérisé sa vie. jean vigo meurt des suites de sa tuberculose chronique à 29 ans, en octobre 1934. avec l'atalante et zéro de conduite, remarquables par leur poésie et leur esprit de révolte, l'oeuvre de jean vigo demeure l'une des plus singulières et des plus attachantes du cinéma français, représentative d'un cinéma " à la première personne ", exemplaire, intact.

  • En trois éditions, la manifestation Estuaire Nantes Saint-Nazaire achève de signer une aventure artistique intimement reliée au paysage qui la porte. 29 oeuvres d'art in situ réparties sur 22 sites le long d'un parcours de 120 kilomètres, soit une exceptionnelle collection dont la majorité des pièces respirent à ciel ouvert. De la pointe de Mindin, où le grand serpent de Huang Yong Ping hèle le pont de Saint-Nazaire, jusqu'à l'incandescence rouge traversée de barques de Loire dont Claude Lévêque irradie l'abbaye de Fontevraud, Estuaire agit sur l'ample fleuve comme le charme des rêves.

    Au premier chef, cet ensemble permet d'envisager l'histoire d'un partage : celui de l'estuaire, ce territoire longtemps méconnu qui se structure à grands pas depuis 2007. Comme une invitation à vivre l'art à l'échelle de ces grands espaces, dans la diversité de leur tissu humain, environnemental et patrimonial, Estuaire s'impose ainsi en instrument de révélation des richesses en présence. Au seuil de cette dernière édition 2012, le devenir de cet atypique « monument dispersé » est riche de promesses : quels récits de l'estuaire peuvent désormais s'inventer par l'art ?

    Pour célébrer ce final en beauté, ce numéro de la Revue 303 s'offre un grand voyage rétrospectif pour mieux esquisser, peut-être, certains enjeux futurs. Comment articuler l'art en train de se faire avec le réflexif ? Le présent ouvrage multiplie les lectures critiques, confronte les dynamiques d'échelles du macro au micro, tisse le réel estuarien à la fiction, et donne la part belle aux rencontres avec les acteurs du projet. En ligne de mire, l'envie d'offrir au public un support textuel et iconographique généreux qui explore en profondeur l'identité de cette singulière collection pérenne.

  • Palm Springs 1960

    Dubois/Doisneau

    " Alors, dans ce désert, devant cette étrange et fascinante pluie d'images venue du temps de nos pères, on est parfois en droit de se demander si cette ville-là, ce fantasme racial, cette composition ethnique et clinique a, au fond, jamais existé ? Doisneau a-t-il photographié un mirage ? " Jean-Paul Dubois

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