Son "American Girl in Italy" - une scène de rue en Italie où une jeune femme est sifflée - est devenue culte. Depuis, des négatifs et des diapositives retrouvés dans ses archives révèlent un côté moins connu de Ruth Orkin, photographe et fille d'une actrice de cinéma muet : celui d'une chroniqueuse du monde des femmes des années 1940 et 1950. Ruth Orkin a imaginé des séries à l'humour grinçant comme Who works harder ? comparant la vie d'une femme de carrière et celle d'une femme au foyer. Elle a documenté l'agitation dans les salons de beauté et les cocktails, les dog shows et les plateaux de cinéma hollywoodiens. On y trouve Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor ou Doris Day, mais aussi des serveuses, hôtesses et femmes soldats, ainsi que ses amies : des femmes en mouvement, qui commencent à rejeter les conventions qui leur sont imposées.
Depuis la fin des années 1970, l'artiste canadien Jeff Wall a grandement contribué à faire de la photographie un médium autonome et est considéré comme l'un des principaux précurseurs de la «photographie mise en scène ». Synthétisant la photographie avec des éléments d'autres formes d'art comme la peinture, le cinéma et la littérature, dans un mode complexe qu'il appelle «cinématographie », son travail met en scène des réalités fictionnelles, des souvenirs et des expériences passées dans un processus élaboré. Avec plus d'une cinquantaine d'oeuvres, ce catalogue accompagnant l'exposition à grande échelle de la Fondation Beyeler juxtapose les transparences couleur rétro-éclairées de Jeff Wall à ses photographies plus récentes en noir et blanc et en couleur C-imprime, révélant une grande diversité de contenu et de forme.
"I don't understand how you can walk past a tree without being happy," says Fyodor Dostoyevsky in his novel The Idiot. Perhaps this thought may explain the motif of women in trees, which was popular between the 1920s and 1950s but has not yet been addressed in any book. The enthusiastic collector of anonymous photography Jochen Raiß (1969-2022) discovered these motifs on flea markets. From boxes containing numerous snapshots of other people's lives, wildly jumbled together, he pulled out black-and-white photographs of women gazing into the camera's eye from dizzying heights and in surprising poses.
This new edition of the two previous titles brings together gorgeous photos that Jochen Raiß collected over twenty-five years.
The city Fred Herzog documented over more than half a century has vanished-an early kind of urban flaneur, Herzog wandered the streets of Vancouver, creating an archive that encapsulates the essence of a bygone era. Considered today as one of the most important street photographers of the 20th century, he changed the international conversation about early color photography. However, it was only in the late 1950s that he decided to primarily shoot with Kodachrome color slides. Fred Herzog: Black and White is the first acknowledgement of a lesser-known facet of the photographers' work. Complementing the seminal Modern Color, it encompasses almost graphical urban scenes of shadow and light, alongside travel photographs and depictions of rural life. Evoking notions of melancholy, this book reveals that Herzog's appeal lies in his ability to seize a condensation of a psychological state.
Ce catalogue d'une exposition à la Hayward Gallery à Londres constitue une rétrospective complète sur cinq décennies de carrière de Hiroshi Sugimoto. Time Machine comprend donc des extraits de toutes ses séries majeures, ainsi que des travaux moins connus qui viennent éclairer son approche expérimentale, conceptuelle et innovante avec laquelle il crée ses images dont la lumière est à la fois l'objet et le sujet.
Ce catalogue accompagne l'exposition proposée par la Fondation Beyeler au printemps 2020 sur les paysages de Hopper. Celle-ci, organisée conjointement avec le Whitney Museum qui détient la plus grande collection au monde de ses oeuvres, met l'accent sur les représentations iconiques de Hopper des étendues infinies des paysages naturels et urbains de l'Amérique, un aspect rarement mis en avant dans les expositions du peintre. L'exposition réunit des aquarelles et des huiles des années 1910 aux années 1960, offrant ainsi un large et passionnant panorama des multiples facettes de la peinture hoppérienne.
The Swiss artist MIRIAM CAHN (*1949, Basel) deals with political and social themes in oil paintings; charcoal, chalk, and colored and lead pencil drawings; and in photographs, films, and installations. Strong color is characteristic of her work, forming a stark contrast to the recurring motifs of violence, tenderness, war, destruction, and physical infirmity. Her habit of commenting upon her work in writing is a golden thread running throughout Cahn's career. She illuminates her own art, commenting in the process on art and world events, and she sets up the texts opposite her artworks in exhibitions and publications.
Fred Herzog est aujourd'hui considéré comme un pionnier de la couleur, un confrère canadien de Garry Winogrand, Helen Levitt ou Saul Leiter dans les années 50 et 60. Dans les rues de Vancouver, il a travaillé exclusivement au Kodachrome pendant plus de 50 ans. Ce matériel a commencé à être scanné et archivé il y a seulement 10 ans. Cette monographie, réalisée avec la collaboration du photographe et accompagnée d'un texte de David Campany, rassemble 230 images en couleur mais aussi en noir et blanc, dont beaucoup étaient restées inédites. Elle constitue une référence unique sur son travail.
À Nîmes, le Carré d'Art accueille une exposition (07/04/2017-17/09/2017) dans le cadre de la programmation anniversaire du Centre Pompidou. A Different Way to Move propose une histoire des foyers communs où s'entremêlent les arts visuels, la danse et la musique dans les années 1960 et 1970 à New York. Ce livre met sur un pied d'égalité les démarches de Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, Sol LeWitt, Robert Morris et Richard Serra avec ceux des pionnières de la Postmodern Dance comme Trisha Brown, Lucinda Childs, Simone Forti et Yvonne Rainer.
Cet imposant volume se concentre entièrement sur le thème du paysage dans l'oeuvre de Richter. A travers ce genre, auquel Richter est resté fidèle pendant plus de soixante ans, on décèle une évolution importante dans le style de peinture de l'artiste mais également une indépendance perceptible dans de nombreuses oeuvres. Ce livre ajoute à la compréhension de l'essence picturale de l'art de Richter, ouvrant des perspectives actuelles sur le thème de la nature et du paysage au XXIe siècle.
Moholy beyond Bauhaus: an expansive survey of the artist's multivalent photo- and text-based works
A prolific writer, photographer, portraitist and documentarian, Lucia Moholy (1894-1989) defies categorization. She was as active in avant-garde circles as she was in the field of information science, advancing an expansive understanding of visual reproduction. While previous publications on Moholy have limited her accomplishments to the five years she spent at the Bauhaus, Exposures presents the full breadth of her writings and photographs for the first time. Extensive essays drawing on new archival discoveries offer insights into her early life in turn-of-the-century Prague, her involvement in the radical social movements of the 1920s in Weimar Germany, her wartime documentations via microfilm and her work in the Middle East on behalf of UNESCO. Acknowledging her reception by contemporary artists such as Jan Tichy, the publication demonstrates how Moholy's interdisciplinary approach to photography anticipated the medium's post-analog present.
Dans cet ouvrage, l'artiste Taryn Simon joue le rôle de James Bond l'ornithologue (1900-1989), dont le nom inspira Ian Fleming pour son héros, qui inspire à son tour la photographe dans son travail. En effet, elle identifie et photographie tous les oiseaux qui apparaissent dans les vingt-quatre films de la série d'espionnage. Le résultat nous propose une classification qui n'est pas sans ressembler à celle des recherches de James Bond.
Ce catalogue accompagne la première rétrospective de grande ampleur consacrée à l'artiste française, qui se tiendra en Australie puis en Allemagne. Il revient sur l'ensemble de sa carrière, avec des installations, des images de sa carte blanche au Palais de Tokyo en 2017, Grosse Fatigue, sa vidéo présentée à la biennale deVenise en 2013 ou ses portraits en ikebana.
Revolution est un travail de longue haleine réalisé pendant les années 1980 et 1990 et exposé à Munich jusqu'en février 2013. Le photographe japonais y saisit plusieurs fois des paysages nocturnes en étudiant l'évolution de la lumière lunaire. En plaçant ensuite ses images noir et blanc à la verticale, il les fait basculer dans l'abstraction.
À Washington, la Phillips Collection expose un ensemble de photographies de Sujimoto issues de son vaste projet autour des formules et des modèles mathématiques (07/02 - 10/05/2015). Il y présente ses clichés de modèles pris à l'Université de Tokyo et les met en regard de ses propres sculptures en aluminium conçues par ordinateur.
Au cours des 30 dernières années, l'artiste français Philippe Parreno a redéfini l'expérience de l'exposition en plaçant sa construction au coeur de son processus. Travaillant avec des technologies haut de gamme, le cinéma et la performance, il transforme les galeries en espaces chorégraphiés qui suivent un scénario où une série d'événements inattendus mais interconnectés se déroulent, jouant ainsi avec les expériences sensorielles du visiteur. La publication Voices se compose de transcriptions de ses films, de ses oeuvres audio et de ses performances, transférant ces oeuvres à la forme écrite. Cette série de textes ouvre une nouvelle perspective sur la pratique de Philippe Parreno.
Cette rétrospective en français rend hommage au célèbre photographe Frank Horvat et plus particulièrement à ses photos de mode, qui ont révolutionné le genre dans les années 50 et 60. Dès 1959 pour Jours de France, il quitte le studio pour la rue, saisit ses modèles devant les étals du marché parmi la foule des passants. Plus tard, il expérimente des motifs audacieux ou reproduit des scènes de film, travaillant souvent au Leica 35mm.
An Occupation of Loss est le récit détaillé de l'installation de Taryn Simon à l'Armory Show. À l'intérieur d'un ensemble de sculptures monumentales, des pleureurs professionnels du monde entier ont coordonnée leurs lamentations, combinant ainsi performance, son et architecture. Cette monographie emmène le lecteur dans le processus de création de l'oeuvre, depuis les demandes de visa des pleureurs jusqu'à la mise en place finale.
This publication by Paul McCarthy (born 1945) is a new edition of Chocolate Factory, Paris , which has been expanded by 128 pages. It documents the artist's first major solo exhibition in France, illustrating both the concept of the exhibition as well as its reworking in response to an attack on McCarthy that occurred during the installation of his sculpture, "Christmas Tree," in Place Vendôme in Paris. Besides the illustrations of McCarthy's transformation of the magnificent exhibition spaces of Monnaie de Paris through his continuous production of chocolate Christmas trees, which were exhibited on ever-new shelves, this new edition also includes the video in which Paul McCarthy deals with both a physical and verbal attack ("Are you the fucking artist?").
Ce photographe polonais, lauréat du World Press Photo 2012, livre avec Keiko une série de photographies sur des journaliers bangladais qui démantèlent les épaves des cargos échoués sur les plages de Chittagong pour en recycler les matériaux. Ses clichés noir & blanc très contrastés et au grain épais sont d'une intensité remarquable.
