Maître de la photographie suédoise, son oeuvre a influencé durablement l'histoire de la photographie documentaire. Attaché à l'humain, à son énigme, à sa solitude et à la complexité des émotions qu'il a su mettre en évidence aussi bien à l'hôpital psychiatrique qu'en prison ou à la maison de retraite, Anders Petersen explore ces mondes clos de l'intérieur. Élève de Christer Strömholm, père de la photographie suédoise, il revendique la dimension documentaire de son travail.

Devenue une référence dans l'histoire du livre de photographie, la collection Photo Poche poursuit son travail de dévoilement des grands noms, courants et écoles de l'histoire de la photographie. Première collection de livres de photographie au format de poche, elle propose des ouvrages soigneusement imprimés, maniables par leur format, accessibles par leur prix, à tous ceux que passionne un moyen d'expression dont on reconnaît aujourd'hui l'importance. Ses différentes déclinaisons (histoire, société...) couvrent tous les champs de la photographie et constituent une iconographie d'une exceptionnelle richesse et diversité.
En cent quarante-quatre pages et soixante-quatre photographies reproduites en couleur et duotone, Photo Poche donne à voir l'essentiel d'une oeuvre de Nadar à Henri Cartier-Bresson, des pictorialistes aux grands noms du photoreportage. Les monographies des grands maîtres du médium alternent avec les sujets thématiques essentiels qui de La Nature morte au Nu déploient les différentes approches d'une esthétique du XIXe siècle à nos jours. Chaque titre est préfacé de manière didactique par un spécialiste du sujet abordé et enrichi de notices biographiques et bibliographiques régulièrement remises à jour.
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Dans ce très beau livre d'entretien, enrichi d'images iconiques et d'archives familiales, FLORE, artiste incontournable, se livre avec une rare sincérité.
Est ici restituée toute la richesse de son esthétique, fondée sur le souvenir personnel d'un ailleurs qui oscille entre fiction et mythes familiaux.
Plus que des espaces géographiques, le Maroc, le bassin méditerranéen ou les rives du Mékong sont pour l'artiste des lieux propices à l'imagination poétique et au récit intime.
Ses photographies, rendues uniques par des processus de laboratoire singuliers, portent en elles la marque du temps passé, grâce à un travail sur la patine et la dissolution de l'image.

Si on le connaît surtout pour ses photographies dans le domaine de la mode, Paolo Roversi n'est surtout pas photographe « de » mode. Ce grand connaisseur de la photographie - qu'il collectionne avec un goût très sûr -, cet amateur, au plus beau sens du terme, de livres qui, dès sa jeunesse l'ont familiarisé avec les classiques comme avec les auteurs de sa génération, est photographe, tout simplement.

Il considère chaque photo comme un « portrait », qu'il s'agisse d'un visage, d'une robe, d'un paysage ou d'une cafetière, et affirme sa passion pour August Sander, Diane Arbus ou Richard Avedon. Et évidemment Robert Frank dont il fut proche. Simplement parce qu'il cherche à « placer au centre du monde » ce qu'il photographie, qu'il s'efface pour pouvoir éliminer et épurer au maximum. Avec une grande élégance.

Au début, cela n'a pas été facile. Le COVID 19 nous a empêchés de nous voir en face à face et nous avons dialogué par écrans interposés, ce que ni l'un ni l'autre n'aimons et qui ne se prête guère au type d'échange qui est la règle, la base et le fondement de ces discussions. Dès la première rencontre physique sur la terrasse du Studio Luce et malgré l'intempestif passage d'un hélicoptère, la parole est devenue plus fluide. D'autant que le lieu est accueillant, que le studio, dans un immeuble des années trente au sud de Paris fait cohabiter espaces de vie et de travail. Comme une évidence. Retrouvailles complices, échanges, partage. Et toujours cette bonne humeur élégante, ce sourire qui plisse au coin des yeux, ce rire fréquent et jamais haut, cet humour léger, une façon de ne pas se prendre au sérieux, une forme de prédestination au bonheur comme une décision de vie. On sent à chaque instant une exigence, par nécessité et, tout aussi forte, l'indispensable liberté qui ouvre les portes. Le rythme est souple, musical, à la fois ferme dans ses convictions et jamais arrogant. Français parfait et précis pour le plus italien des parisiens, ou, peut-être, le plus parisien des italiens. Peu importe, d'ailleurs. Oui, une évidente élégance. Comme, plus tard, dans son appartement lumineux au dernier étage d'un bel immeuble. Un univers habité, ni en désordre ni vraiment rangé, surtout pas arrangé. Un monde de livres, dès l'entrée et dans presque toutes les pièces. Des livres de tous types, poésie, roman, philosophie, littérature, photo évidemment, livres d'art et de remarquables exemplaires reliés de belles éditions anciennes- vu une originale de Paul et Virginie, un ouvrage de 1776 sur l'Italie avec des aquarelles magnifiques ou un exemplaire des oeuvres complètes de Jules César - qui viennent de son épouse, Laetitia, ancienne top model descendante des imprimeurs typographes Firmin Didot. Un monde de photographies, partout, dans toutes les pièces, au mur ou sur des rangements en bois à croisillons. Peu de photographies du maître des lieux, finalement, mais beaucoup de pépites, de Robert Franck - beaucoup - à Diane Arbus - dont le si rare autoportrait enceinte - à Kertész - un petit tirage inédit d'une vue de Paris -, plusieurs Shoji Ueda ou Louis Faurer. Et tant d'autres, mêlés à quelques photos de famille. Face à un mur entièrement couvert de photographies, bouleversant, un Lucio Fontana blanc, d'un format inhabituellement grand, très pur d'une seule entaille verticale. On aperçoit, dans une bibliothèque dont les portes vitrées protègent des livres particulièrement précieux, un petit paquet carré, emballage mystérieux des tout débuts de Christo. D'autres peintures au mur, dont une d'un ami. Ici, rien n'est décoration, on vit dans un environnement où l'art trouve tout naturellement sa place pour que l'on vive avec lui. On le respire. Mais il ne s'agit ni d'un musée, ni d'une monstration, encore moins d'une démonstration. Pas de logique, pas de hiérarchie, une manière plutôt d'autoportrait fait de bribes de souvenirs, de moments d'une vie, d'émotions préservées.

Nous n'avons, finalement, pas tellement parlé de mode. Sans doute parce que ce n'est pas vraiment le propos, même si celui qui dit avoir été fortement influencé par August Sander est catalogué comme photographe « de mode » et que c'est son activité professionnelle principale. Mais il est évident que pour celui pour qui « tout est portrait » l'enjeu, le seul, est la photographie. Donc la lumière. Et une indispensable liberté que l'on retrouve dans la façon d'évoquer et sa pratique et des souvenirs, de se dire sans toujours se dévoiler, avec une pudeur qui n'est pas un calcul ou une cachotterie.

La parole est fluide, les émotions et les souvenirs reviennent, les convictions, les commentaires, sans affectation. On se parle. Juste entre nous. Read more Close

Ce livre marque l'achèvement de dix années de photographies par Philong Sovan, jeune photographe cambodgien talentueux, sur la vie nocturne des villes de son pays.
Lorsque les touristes dorment et que l'éclairage public inexistant plonge la plupart des quartiers dans l'ombre, le photographe enfourche sa petite motocyclette, débusquant dans la lumière de son phare un monde qu'il ignorait. Dans une écriture photographique tout en couleurs denses et en cadrages précis, jouant avec les faibles lumières de l'activité humaine augmentées seulement de celles de son véhicule, il dresse de la vie cambodgienne et de sa capitale Phnom Penh un portrait intense et flottant à la fois, plein d'étonnement pour la galerie de personnages dont il partage brièvement l'existence dans une clarté fulgurante.

Après Anders Petersen, Christian Caujolle, nous fait découvrir dans cet ouvrage l'univers du grand photographe de l'agence Magnum: Raymond Depardon.

En confiance, Raymond Depardon parle. Beaucoup, longuement, sans hésitation mais avec un débordement de digressions. Les repères temporels sont parfaitement en place, l'histoire présente, les souvenirs se combinent et les mots semblent en appeler toujours d'autres qui mènent la pensée ailleurs, ou plus loin qu'au moment où elle s'était mise en oeuvre.

De l'enfance rurale à «la montée à Paris», de l'agence Dalmas entre people quotidien et terrains d'actualité et de guerre à la fondation de Gamma dont il devient un jour rédacteur en chef embauchant de jeunes photographes, puis de Magnum au cinéma, puis du livre - essentiel - à l'exposition, un Raymond que l'on pense parfois taiseux se révèle volubile.

Il s'épanche sur ses motivations, ses envies, ses rapports, très importants et pensés en permanence à la technique, pour la photographie comme au cinéma. Choix d'appareil, de machines - dont il possède un très grand nombre, du Rolleiflex à la chambre grand format, et qu'il choisira en fonction du projet - qui détermineront un rapport au monde parce qu'elles imposent un angle de vision et une conception du plan. Il dit aussi sa relation à l'écriture, au texte, à la façon dont il les pratique et les lie.

Il dit, pudiquement, des aspects intimes de son parcours, les envies d'emmener avec lui en reportage celle dont il est amoureux à un moment, ses départs parce qu'une relation sentimentale n'aboutit pas, n'est pas satisfaisante, des départs entre besoin de ne pas souffrir et de prouver, à lui et à l'autre, ce qu'il est, ce qu'il peut dire et donner.

Une parole touffue qui correspond bien à ses tensions - qui ne sont jamais que des réalisations - entre photographie et cinéma qu'il transpose ou transporte l'une dans l'autre et vice-versa.

Des mots qui disent et tentent de cerner les « photos de colère » qui l'ont toujours animé, en Afrique comme en Amérique Latine ou en France, avec les paysans ou les paysages qui ressemblent encore quelque peu à ceux qu'il a connus dans sa prime jeunesse.

Des mots qui, souvent, lorsqu'ils s'apaisent, s'interrompent sur la permanence d'une solitude profonde. Celle qui le ramène toujours, sans que l'on le lui demande jamais, vers la ferme du Garet.
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ImageSingulières est un festival de photographie documentaire créé en 2009 à Sète. Chaque année un photographe est invité à porter son regard sur la ville, ce qui fait l'objet d'un livre. En 2022, la carte blanche est confiée à Gabrielle Duplantier. Dans ses images d'un noir et blanc lumineux, la puissance des formes, souvenir d'un apprentissage de peintre, s'allie à la fragilité des figures. Mouvements suspendus, paysages organiques, instants crépusculaires, portraits habités de femmes et d'enfants... Gabrielle Duplantier poursuit l'affirmation, inquiète et obstinée, d'un point de vue moins attaché à figer la réalité qu'à lui réclamer un droit de regard. Ses photographies sont empreintes de délicatesse autant que d'une force brutale. Le livre s'accompagne d'un texte de Christian Caujolle.

Maître de la photographie suédoise, son oeuvre a influencé durablement l'histoire de la photographie documentaire.

Ce livre présente un regard sur la création photographique aujourd'hui en Iran. Pour la première fois, une quarantaine de photographes iraniens se retrouvent réunis dans un ouvrage qui fait découvrir au lecteur occidental la pluralité et la vitalité d'une photographie artistique. La photographie iranienne se caractérise par son degré d'engagement et sa dimension politique. Les démarches des artistes sont rarement neutres, et la plupart, à travers leurs images, veulent dénoncer des injustices sociales ou politiques, la censure, voire la réalité du quotidien. Pour ces photographes soumis à des pressions politiques, sociales et religieuses, le choix des sujets, dont beaucoup sont tabous, est une question délicate.
Loin d'être une simple suite de reproductions, cet ouvrage se distingue par le parti pris d'une organisation thématique. La sélection des images vise à refléter la scène artistique photographique de ces dix dernières années en se démarquant des images emblématiquesmaintes foismontrées et sans user d'une vision exotique du pays qui exciterait la simple curiosité.
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100 portraits photographiques issus de la collection personnelle d'Antoine de Galbert présentés lors des 49ème Rencontres de la photographie d'Arles. Cette sélection révéle l'éclectisme de l'approche d'Antoine de Galbert, fondateur de la Maison rouge à Paris, dans la constitution de sa collection qui n'a jamais répondu à aucun critère traditionnel mais au contraire traduit par là-même quête de liberté du collectionneur.

Marin Karmitz, cinéaste, producteur, créateur et animateur du réseau de salles MK2, est d'abord connu pour sa relation passionnée à l'image en mouvement.
On sait moins que celui qui fut également photographe au temps de son engagement politique militant a réuni, à côté d'une collection exceptionnelle d'oeuvres d'art, une collection photographique. Elle est constituée d'ensembles cohérents qui disent sa fidélité à des artistes dont il suit et accompagne passionnément la création, mais aussi de nombreuses oeuvres, acquises au fil du temps, échos de préoccupations esthétiques et éthiques, qui témoignent à la fois d'une curiosité, d'une liberté et d'un bel éclectisme.

a travers onze fictions ancrées dans les tourments du monde, onze histoires comme autant de bains révélateurs, christian caujolle interroge notre rapport à la photographie, à l'imagerie, aux images et aux clichés - éminemment symptomatique de notre rapport à nous-mêmes.
ni théoricien ni photographe, christian caujolle est d'abord, tout entier et passionnément, un regard sur la photographie contemporaine.
l'un des plus pertinents, l'un des plus respectés, aussi. depuis plus de vingt-cinq ans, à libération d'abord puis à la tête de l'agence vu', qu'il crée en 1986, il accompagne la photographie et ses auteurs dans la vitesse du présent jusqu'au temps de la réflexion.
ces circonstances particulières se déclinent dans un second volume, où christian caujolle revisite le cadre et les hors-champs de sa collection de souvenirs en images et en mots.

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christian caujolle nous livre ici trente-quatre souvenirs de ce parcours qu'il n'est pas exagéré de qualifier d'amoureux, images repères, célèbres ou presque secrètes, dont il fouille le cadre et dévoile le hors-champ pour nous inviter - sommation nécessaire - à ouvrir les yeux, et le dialogue.
ni théoricien ni photographe, christian caujolle est d'abord, tout entier et passionnément, un regard sur la photographie contemporaine.
l'un des plus pertinents, l'un des plus respectés, aussi. depuis plus de vingt-cinq ans, à libération d'abord puis à la tête de l'agence vu', qu'il crée en 1986, il accompagne la photographie et ses auteurs dans la vitesse du présent jusqu'au temps de la réflexion.
ces circonstances particulières se déclinent dans un premier volume intitulé histoires, où pour la première fois christian caujolle aborde son rapport - intime, passionnel, parfois conflictuel - à la photographie par le biais de la fiction.


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ImageSingulières est un festival de photographie documentaire contemporaine créé en 2009 à Sète, reconnu dans le paysage culturel européen. Chaque année, un photographe de renom est invité à porter son regard sur la ville pour construire peu à peu son portrait, au travers de toutes les facettes de la photographie. Ce travail fait l'objet d'une exposition et d'un livre publié dans la collection ImageSingulières.
Après Anders Petersen, Bertrand Meunier, Juliana Beasley, Juan Manuel Castro Prieto, Christopher Anderson et Cédric Gerbehaye, la septième résidence a été confi ée à Richard Dumas, photographe renommé pour ses portraits d'artistes et de personnalités. Fidèle à son esthétique rock et à sa liberté de regard, ce dandy de la photographie o­ re une vision inattendue de la ville de Sète.
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ImageSingulières est un festival de photographie documentaire créé en 2009 à Sète. Chaque année un photographe de renom est invité à porter son regard sur la ville et à produire une série de photographies qui fait l'objet d'un livre. De grands photographes (Anders Petersen, Stéphane Couturier...) ont ainsi donné naissance à une collection remarquable qui révèle autant de facettes de la photographie actuelle.
En 2019 la résidence est confiée à Vanessa Winship. Connue pour ses travaux au long cours aux États-Unis (She dances on Jackson) ou en Anatolie (Sweet Nothings), elle est l'auteure d'une oeuvre documentaire à la fois classique et contemporaine questionnant le lien entre humain et territoire.

En 1950, Pierre Gassmann crée, rue de la Comète à Paris, le modeste laboratoire PICTORIAL Services. Amateur passionné de photographie et complice de Brassaï, technicien hors pair et personnalité charismatique, Gassmann, soutenu par ses amis photographes (dont certains viennent de fonder l'agence Magnum), se lance solitairement dans une entreprise commerciale quasi inconnue en France: le tirage haut de gamme d'épreuves photographiques.
Soixante ans et quelques révolutions technologiques plus tard, le laboratoire PICTO poursuit son activité et son développement en s'attachant à perpétuer la volonté initiale de son fondateur : faire du technicien le complice dévoué de l'artiste. Le bilan de cette exigence, maintenue à travers six décennies, se lit aussi dès lors comme un pan de l'histoire de la photographie. Des vintages des heures héroïques aux tirages numériques contemporains ornant les cimaises muséales, des grands noms des maîtres de la photographie aux jeunes talents en devenir, une somme iconographique exceptionnelle s'offre désormais à la contemplation de tous.
Dans le nom inaugural voulu par son créateur, il convient de retenir le mot «Services». Il dit à lui seul la manière dont PICTO envisage la fonction et le rôle du technicien, qu'il soit tireur, retoucheur ou spécialiste de telle ou telle technologie: «La technique ne doit être que l'intendance mise au service du photographe» écrit Pierre Gassmann, convaincu que dans des dispositifs aussi complexes que ceux qui aboutissent à toute photographie, la volonté et la créativité de l'artiste doivent rester souverainement libres et indépendantes.
Plus encore, «Services» vient rappeler qu'au-delà de la valeur vénale de toute prestation, se joue entre le photographe et «son» tireur une relation d'une nature tout à fait singulière, où la quête d'une certaine perfection installe un échange, un dialogue qui ne peut se construire que dans l'oubli du temps passé. Attentif mais non directif, le technicien de laboratoire est à la fois complice et témoin de l'avènement final de l'oeuvre, d'où le sens aigu de la responsabilité et de la discrétion qui l'anime.
À travers les quelque cent cinquante photographies présentées dans cet ouvrage, on pourra découvrir un panorama des talents qui ont constitué la saga PICTO, parmi lesquels : Édouard Boubat, Frédéric Brenner, Henri Cartier-Bresson, Jean-Louis Courtinat, Raymond Depardon, Ernst Haas, Peter Knapp, Man Ray, Sarah Moon, Mathieu Pernot, Éric Valli, Kimiko Yoshida, et tant d'autres.
Les textes et entretiens du critique Hervé Le Goff, qui composent également ce livre rétrospectif, permettent de retracer les formidables mutations technologiques qui ont traversé le champ de la photographie, de l'argentique aux pixels et du négatif des origines à la numérisation des images, et nous font découvrir les témoignages inédits de photographes, tireurs, retoucheurs, techniciens et techniciennes qui tissent au quotidien les fils d'une complicité que l'ère moderne n'a pas dénoués.
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CétàVoir, association qui a pour vocation la promotion de la photographie, a invité le photographe suédois Anders Petersen à poser un regard très personnel lors de deux résidences, en 2007 et en 2008, sur Sète, « l île singulière ». En s immergeant dans le quotidien des Sétois, le photographe s est appliqué à dépasser la surface des choses, sans jamais juger. Ses images du quotidien, sondant l intime sans voyeurisme, à la recherche des contradictions, vont puiser l émotion et le sens dans des petits riens. Au gré de ses rencontres, à la limite de l empathie, dans une sorte de perpétuel état d émerveillement, il cherche à maintenir la distance juste. Le photographe résume ainsi cet enjeu central de son approche : « Pour que la photo soit bonne, il faut toujours avoir un pied dedans et un pied dehors. Mon problème, c est que je finis toujours avec les deux pieds dedans ». Ce livre est le premier d une collection qui sera consacrée aux photographies réalisées à la demande de Cétàvoir lors de résidences à Sète. Des regards d auteurs reconnus, invités à se poser chaque année sur l île singulière. La perspective d un formidable portrait de la ville de Sète insolite et multiple...
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