Avec près de 250 oeuvres présentées, cette rétrospective majeure mêle tous les médias utilisés par Polke - peinture, photographie, vidéo, dessin, sculpture - et met en avant le scepticisme de l'artiste. Le titre de l'exposition trouve son sens dans son étymologie : Alibi signifiait « ailleurs » correspondant ainsi parfaitement avec le perpétuel renouvellement de l'artiste qui a toujours refusé la spécialisation dans un médium ou style précis (Moma, New York 19/04 - 03/08/2014 - Tate Modern, Londres 9/10/14 - 10/02/15, Musée Ludwig, Cologne 14/03 - 15/07/15).
«Une confiance d'enfant, une confiance qui va au-devant, espérante, qui vous soulève, confiance qui, entrant dans le brassage tumultueux de l'univers [...], devient un soulèvement plus grand, un soulèvement prodigieusement grand, un soulèvement extraordinaire, un soulèvement jamais connu, un soulèvement par-dessus soi, par-dessus tout, un soulèvement miraculeux qui est en même temps un acquiescement, un acquiescement sans borne, apaisant et excitant, un débordement et une libération, une contemplation, une soif de plus de libération, et pourtant à avoir peur que la poitrine ne cède dans cette bienheureuse joie excessive...» Henri Michaux, L'Infini turbulent (1957).
Ouvrage collectif de Nicole Brenez, Judith Butler, Marie José Mondzain, Antonio Negri et de Jacques Rancière. Édition publiée sous la direction de Georges Didi-Huberman.
Antoine d'Agata et Rafael Garrido sont convenus, à l'été 2008, d'entamer une correspondance régulière à propos d'une sélection d'autoportraits du photographe. Rafael Garrido, écrivain espagnol, dont le dernier chapitre de la thèse «Le corps et la violence dans l'art contemporain» (faculté des beaux-arts de l'université de Madrid, 2008) est dédié à l'oeuvre d'Antoine d'Agata, propose ici une lecture inédite de la photographie de d'Agata. Il s'agit pour une part de confronter l'expérience de l'artiste à des univers non photographiques mais marqués par les mêmes obsessions radicales et, plus encore, de pénétrer au coeur des addictions de toutes sortes qui brûlent cette oeuvre.
Pour d'Agata, Agonies est l'occasion d'une expérimentation duelle de son parcours, d'une re-connaissance (qui est aussi une re-saisie) de ses paroxysmes intimes, à l'aune d'un langage et d'un savoir ; les photographies retenues existent et vibrent d'une manière inédite, prises dans des effets de sens labyrinthiques où s'exacerbent ses propres pulsions. La «carte blanche» que le photographe et l'écrivain se sont donnée en partage ne vise pas à éclairer ou rendre didactique un travail qui ne cesse depuis vingt ans de repousser l'inconnu de ses limites. «Ce n'est pas notre regard sur le monde qui importe, mais nos rapports les plus intimes avec celui-ci - composition, lumière, narration ne sont plus des questions fondamentales (.). Comment retranscrire une réalité alors qu'on ne relate que la somme de ses propres expériences ?» écrit Antoine d'Agata, qui a depuis longtemps perverti les codes de l'acte photographique et vise peut-être à les abolir aux risques et périls d'une vie mise en jeu.
Développée durant huit décennies, l'oeuvre photographique de Manuel Álvarez Bravo (Mexico, 1902-2002) constitue un jalon essentiel de la culture mexicaine du XXº siècle. À la fois étrange et fascinante, sa photographie a souvent été perçue comme le produit imaginaire d'un pays exotique, ou comme une dérive excentrique de l'avant-garde surréaliste. L'exposition et l'ouvrage qui l'accompagne veulent dépasser ces lectures. Sans nier le lien avec le surréalisme ou les clichés liés à la culture mexicaine, cette sélection de 150 images vise à mettre en lumière un ensemble spécifique de motifs iconographiques dans le travail de Manuel Álvarez Bravo : les reflets et trompe-l'oeil de la grande métropole ; les corps gisants, réduits à de simples masses ; les volumes de tissus laissant entrevoir des fragments de corps ; les décors minimalistes à l'harmonie géométrique ; les objets à signification ambiguë... Tous motifs qui traduisent son rejet des facilités du style pictural, son goût de l'ironie et sa capacité à convertir les images en symboles dépassant le réalisme typique de la culture mexicaine. L'ouvrage et l'exposition explorent aussi la relation entre le langage de la photographie et celui du cinéma en confrontant ses images les plus célèbres à de courts films expérimentaux des années 1960, provenant de ses archives familiales. Sont également exposées une série d'images tardives à caractère cinématique et une sélection de tirages couleur et de Polaroïd. En partageant avec le public le processus d'expérimentation d'Álvarez Bravo, ce projet entend montrer que la qualité poétique de ses images procède d'une recherche permanente autour de la modernité et du langage.
L'éphémère, c'est-à-dire le fugitif, le transitoire, est le principe central de l'art de Francis Alÿs. Les oeuvres de cet artiste, architecte de formation, se déclinent sur toutes sortes de supports : vidéo, diapositive, photographie, dessin, peinture, notes, cartographie.
Francis Alÿs observe et explore depuis bientôt vingt ans l'espace anthropologique et les situations sociales de Mexico et en profite pour tisser des fables qui confèrent à l'urbanité une dimension mythique. Il crée à partir de situations qu'il a rencontrées au hasard de ses promenades dans les rues de Mexico. Ce peut être un sac plastique emporté par le vent qui éveille son intérêt ou bien des sans-abri qui dorment ; une autre fois, il pousse un bloc de glace à travers les rues torrides jusqu'à ce qu'il n'en reste plus rien ; une autre fois encore, il poursuit avec son objectif l'ombre mouvante de la hampe du drapeau de la Plaza Major, sous laquelle les passants s'arrêtent pour se protéger du soleil. En cela, l'artiste est tout autant dans la tradition des Situationnistes que dans celle des artistes de Fluxus.
Le centre historique de la ville de Mexico réunit une sélection de photographies de Francis Alÿs portant sur son environnement social et urbain immédiat, aux alentours de Zocalo, une grande place située au coeur de Mexico, à deux pas de son atelier.
« Tout ce que j'ai vu, entendu, senti, fait ou ne pas fait, compris ou incompris dans un périmètre de dix pâtés de maisons autour de mon studio, dans le Centre Historique de la Ville de Mexico. »
F. Alÿs
A l'occasion de l'exposition de l'artiste Francis Alÿs, La Cour des Miracles, présentée du 8 janvier au 28 mars 2005 au Musée des Beaux-Arts de Nantes.
Carlos Monsivais (né en 1938 à Mexico) est un auteur mexicain, chroniqueur, essayiste, romancier. Il a collaboré à de nombreux périodiques, dont il a fondé nombre d'entre eux.
The first comprehensive monograph on this innovative artist. Survey by Cuauhtémoc Medina, Interview by Russell Ferguson, Focus by Jean Fisher, Artist's Choice by Augusto Monterroso, Writings by Francis Alÿs * The work of Francis Alÿs (b.1959) blurs the boundaries between the artist and the subject * This is the first comprehensive monograph on the artist's diverse body of work * He employs a range of media - including painting, video, and other more unorthodox materials - in innovative takes on observation, participation and performance * Alÿs's work stems from his interest in the powera that shape urban existence, as well as the innovative schemes that ordinary individuals devise to subvert them * Alÿs invents his own fables, weaving them into the social fabric of such cities as Venice, London and Mexico City, his home for nearly 20 years * Alÿs's work has been included in the world's top international exhibitions, including the Venice Biennale (2001), the Carnegie International (2004) and the São Paulo Biennial (2004)
Ces Notes, rédigées avant le 18 mars et après le 28 mai 1871, nous introduisent au coeur de la machine administrative du gouvernement communal, là où s'effectuait le labeur anonyme de ceux qui permirent à la Commune de s'écrire au quotidien en assurant la survie matérielle de Paris. Andrieu, communard oublié, affilié à l'Internationale, mettait l'administration au-dessus du gouvernement.
50 dessins pour assassiner la magie est un texte inédit d'Antonin Artaud provenant d'un de ses derniers cahiers. Peu de temps avant sa mort, il en avait envisagé la publication et souhaitait le voir illustré de cinquante dessins prélevés dans plusieurs de ses cahiers. C'est ce projet que nous réalisons en reproduisant le manuscrit original de 50 dessins pour assassiner la magie et en donnant sa retranscription en vis-à-vis. «Il ne s'agit pas ici de dessins au propre sens du terme, d'une incorporation quelconque de la réalité par le dessin. Ils ne sont pas une tentative pour renouveler l'art auquel je n'ai jamais cru du dessin non mais pour les comprendre il faut les situer d'abord. Ce sont 50 dessins pris à des cahiers de notes littéraires, poétiques psychologiques, physiologiques magiques magiques surtout magiques d'abord et par-dessus tout.» Antonin Artaud.
On ne connaissait pas jusqu'à présent en France les réflexions esthétiques de Günther Anders. Dans ce domaine comme dans les autres il se montre encore une fois hérétique. Son George Grosz, qui n'a rien d'un essai traditionnel d'historien de l'art est sans conteste l'étude la plus pénétrante consacrée
au peintre berlinois, célèbre pour la cruauté de ses dessins. Les historiens de l'art ont généralement méprisé l'oeuvre de Grosz à partir des années 30 et de son exil aux États-Unis. Anders montre au contraire la profonde unité de cette oeuvre marquée par un pessimisme absolu et dont il montre de façon
convaincante qu'elle est l'une des plus importantes du siècle.
Mais ce texte bref va bien au-delà : dans un style qui va droit à l'essentiel, ce sont les questions les plus fondamentales de l'art moderne qui sont ici passées au crible de la réflexion iconoclaste d'Anders : celle de la figuration, de la force politique d'une oeuvre, du rôle véritablement démiurgique du créateur.
Composé d'un commentaire de la nouvelle traduction anglaise de Discours / Figure de Lyotard, de portraits américains (dont John Wayne, et George W. Bush) et de textes de chansons pour les Red Crayola, ce livre d'Art & Language propose trois prises de paroles engagées des deux artistes anglais Mel Bochner et Michael Baldwin. Sans concession, mais non sans humour, ils mettent à l'épreuve le modernisme et le jeu de références de la pensée philosophique française contemporaine.
Il s'agit pour ces artistes radicaux de se glisser à l'intérieur des structures dominantes du discours et des formes plastiques afi n d'en faire imploser la logique, proposant ainsi une redéfi nition de l'action sociale et politique, à travers la critique des idéologies, de la peinture et de l'histoire.
L'ensemble d'essais "L'Art est en danger" de George Grosz et Wieland Herzfelde a paru aux éditions Malik Verlag à Berlin, en 1925. Il donne son titre à ce volume qui comprend également "La canaille de l'art" de George Grosz et John Heartfield et enfin "Sur le photomontage" du militant et philosophe Günther Anders.
Basé sur le projet sculptural éponyme réalisé par l'artiste palestinien dans une savonnerie provençale artisanale, ce catalogue présente une sélection d'oeuvres récentes et plus anciennes de Taysir Batniji, avec un texte de Michel Poivert et un entretien.
Avec ce titre, emprunté aux paroles de l'hymne national algérien, Bruno Boudjelal éclaire une histoire qui est autant la sienne que celle de l'Algérie contemporaine. Sans doute faut-il aussi entendre à travers ce « clos comme on ferme un livre » un lent processus de questionnement intime pour l'artiste qui achève ici la réappropriation de son histoire personnelle pour se confronter au présent d'un pays complexe.
Il est désormais possible de voyager en Algérie et Bruno Boudjelal saisit cette liberté nouvelle pour explorer le pays de ses origines d'est en ouest, dans un road movie saisissant qui croise tout aussi bien le fantôme de Frantz Fanon que des jeunes immigrés clandestins en route pour l'Europe.
Un récit photographique dont la chromie singulière renvoie aux incertitudes d'un peuple.
Un ouvrage très largement illustré mettant en valeur la diversité de cet artiste, poète et cinéaste belge, considéré comme une figure incontournable du mouvement surréaliste. Deux essais didactiques ainsi que des informations relatives au parcours de l'artiste complètent cette présentation.
Gilles Caron est un cas unique dans la photographie contemporaine. Quant il disparaît au Cambodge en 1970, il a trente et un ans. Mais il a déjà vécu la guerre, au Tchad, en Irlande, au Biafra, au Viêt-Nam. Quelques-unes de ses photographies de Mai 68 sont devenues les symboles de la révolution estudiantine. C'est avec une énergie confondante et un constant souci de la dignité humaine qu'il a fait en quelques années ce que d'autres font en une vie.
henri cartier-bresson : il a donné ses lettres de noblesse au reportage photographique.
jamais avant lui un sujet, qu'il relève de l'histoire ou de la vie quotidienne, n'avait été traité avec tant d'intelligence dans l'analyse, d'acuité dans la vision, d'équilibre dans la composition. cette constante harmonie entre la forme et le fond mais aussi la remarquable économie des moyens employés placent d'évidence henri cartier-bresson parmi les grands classiques de la photographie.
